Artes Visuales

2012-01-26T17:00:00.000-08:00

ALUMNOS:
AQUÍ LES DEJO EL ENLACE PARA DESCARGAR UN FORMATO O PLANTILLA PARA QUE DESARROLLEN SU "STORYBOARD".
RECUERDEN QUE LA FECHA DE ENTREGA DE SU "STORYBOARD" ES PARA ESTE PROXIMO 03 DE ENERO DE 2012 Y EL PROYECTO DE VIDEO MUSICAL PARA EL 20 DE FEBRERO DE 2012.
¡ANIMO Y QUE LA CREATIVIDAD LOS ACOMPAÑE!

PROFE LEO ;-)

HACER CLICK AQUI:

Con esta plantillas puedes dibujar fácilmente por la distribución ergonómica de sus cuadros. Cada uno de estos cuadros (del template) posee cuatro líneas para que pueda escribir una breve descripción de la acción ilustrada. Elija el formato de storyboard que más se acomode a tu necesidad. Puede abrirla e imprimirla sin la necesidad de word.

Como usar Windows Movie Maker

2012-01-26T16:29:00.000-08:00

4 Tutoriales que te serán de gran ayuda para tu proyecto de video.

Como usar Windows Movie Maker - Clase 1 de 4

Como usar Windows Movie Maker - Clase 2 de 4

Como usar Windows Movie Maker - Clase 3 de 4

Como usar Windows Movie Maker - Clase 4 de 4

¿Qué es el Surrealismo?

2011-12-07T05:37:00.001-08:00

El Surrealismo (en francés: surréalisme; sur ['sobre, por encima'] más réalisme ['realismo']), es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton.Origen del términoLos términos surrealismo y surrealista proceden de Apollinaire, quien los acuñó en 1917. En el programa de mano que escribió para el musical Parade (mayo de 1917) afirma que sus autores han conseguido: una alianza entre la pintura y la danza, entre las artes plásticas y las miméticas, que es el heraldo de un arte más amplio aún por venir. (...) Esta nueva alianza (...) ha dado lugar, en Parade a una especie de surrealismo, que considero el punto de partida para toda una serie de manifestaciones del Espíritu Nuevo que se está haciendo sentir hoy y que sin duda atraerá a nuestras mejores mentes. Podemos esperar que provoque cambios profundos en nuestras artes y costumbres a través de la alegría universal, pues es sencillamente natural, después de todo, que éstas lleven el mismo paso que el progreso científico e industrial.La palabra surrealista aparece en el subtítulo de Las tetas de Tiresias (drama surrealista), en junio de 1917, para referirse a la reproducción creativa de un objeto, que lo transforma y enriquece. Como escribe Apollinaire en el prefacio al drama: Cuando el hombre quiso imitar la acción de andar, creó la rueda, que no se parece a una pierna. Del mismo modo ha creado, inconscientemente, el surrealismo... Después de todo, el escenario no se parece a la vida que representa más que una rueda a una pierna.PrecedentesLos surrealistas señalaron como precedentes de la empresa surrealista a varios pensadores y artistas, como el pensador presocrático Heráclito, el Marqués de Sade y Charles Fourier, entre otros. En la pintura, el precedente más notable es Hieronymus Bosch "el Bosco", que en los siglos XV y XVI creó obras como "El jardín de las delicias" o "El carro de heno". El surrealismo retoma estos elementos y ofrece una formulación sistemática de los mismos.

Esgrafiado

2011-11-16T22:46:00.000-08:00

Video que nos enseña cómo con materiales sencillos y caseros podemos hacer la técnica del esgrafiado.

Dibujos Formas Naturales

2011-11-15T17:16:00.001-08:00

¡¡¡Hola alumnos!!!Aquí les dejo los dibujos que realizamos en clase para que los terminen aquellos que quedaron pendientes.

Tutorial Licuar Con Photoshop

2011-10-13T21:06:00.001-07:00

COMO USAR VERTUS FLUID MASK 3

2011-10-13T20:54:00.001-07:00

Extraer el cabello utilizando Fluid Mask 3

2011-10-13T20:40:00.000-07:00

Tabú Latinoamérica: Cuerpos modificados

2011-04-06T20:55:00.000-07:00

Para muchos, el cuerpo es un templo sagrado que no debería ser modificado. Sin embargo, hay quienes utilizan técnicas, nuevas o milenarias, para buscar un nuevo aspecto como individuos. Algunas de estas técnicas son tan sangrientas y extremas que muchos se impresionan y lo ven como un Tabú.

En este episodio, Tabú Latino América presenta tres personajes que quieren diferenciarse de los demás y someten sus cuerpos a operaciones, técnicas y acciones extremas. Cachos, narices achatadas, cuerpos suspendidos y figuras a base de profundas cicatrices son técnicas que sólo algunos se atreven a experimentar en Latinoamérica.

En Venezuela, un hombre festeja su cumpleaños con un show que incluye suspender su cuerpo con ayuda de ganchos que atraviesan su cuerpo. Emilio convirtió su cuerpo en una vitrina para mostrar su talento en materia de modificación corporal y además es buscado para hacer operaciones que otros no se atreverían a realizar.

Uno de sus "pacientes" es Caín, un colombiano con un ritmo de vida normal pero con la apariencia de lo que él llama "Satanás". Este hombre acude a Emilio para implementar en su anatomía nuevas modificaciones que logren cada vez más su objetivo. Esta vez Caín se modificará las orejas y agrandará los cuernos.

En Argentina, Matías nos muestra cómo una técnica milenaria se está convirtiendo en moda en pleno siglo XXI. El procedimiento consiste en hacer cortes sobre la piel y formar una figura con las cicatrices que producen los cortes. En el mundo es conocido como escarificación. Víctor es uno de sus clientes y para Tabú se hará por primera vez una escarificación.

Parte 01

Parte 02

Parte 03

Parte 04

Parte 05

Los Secretos Del Tatuaje

2011-04-06T19:51:00.000-07:00

Los Secretos Del Tatuaje.
Nos introduciremos en el asombroso mundo de la tinta desde la antigüedad. En la actualidad los tatuajes son más populares que nunca: mostraremos desde las toscas "agujas" de bambú a las herramientas caseras para realizar tatuajes en las cárceles y, finalmente, los tatuajes realizados mediante robots de alta tecnología, y descubriremos qué ha cambiado a lo largo de los siglos y por qué. ¿Tenían que pagar los antiguos tanto como los clientes de hoy en día para conseguir un "Irezumi" japonés, un tatuaje de cuerpo entero cuya realización lleva 5 años y cuesta más de treinta mil dólares? La tinta antigua lo cubre todo, desde una momia tatuada de 5.300 años de antigüedad hasta la última y más rentable de las modas: personas que venden su cuerpo como soporte publicitario al mejor postor en eBay, con un "precio de salida de 55.000 dólares". Durante este espacio recorreremos numerosos rincones del planeta para conocer todo sobre el tatuaje a lo largo de la historia, incluido su lado oscuro.

Parte 01

Parte 02

Parte 03

Parte 04

Parte 05

Parte 06

Parte 07

Parte 08

Parte 09

Como dibujar en perspectiva con dos puntos de fuga

2011-03-23T23:21:00.000-07:00

Como dibujar en perspectiva con dos puntos de fuga.
Tutorial de cómo dibujar un camino, una casa y postes de teléfono que se desvanecen a lo lejos.

Frida Kahlo - La Cinta Que Envuelve Una Bomba

2011-03-22T21:41:00.000-07:00

Hija del fotógrafo alemán Guillermo Kahlo Kaufmann, la pintora Frida Kahlo nació en la ciudad de México en 1907 y sufrió en 1925 un accidente que marcaría el resto de su vida y de su creación. Contrajo matrimonio con Diego Rivera en dos ocasiones; fue una activa participante del trotskismo y anfitriona del matrimonio Trotsky en México; trabó amistad con André Breton y tomó parte durante toda su vida en diversos actos de la izquierda nacional, pero ni la personalidad abrumadora del muralista Rivera, ni la celebridad de sus amistades o su militancia política ocultan lo más importante: su autoría de una obra única, vinculada estrechamente con su persona y su pertenencia a una brillante generación de creadoras mexicanas que cambiarían la historia del arte nacional durante el período de entreguerras. Fallecida en 1953, el mismo año que una exposición individual de su obra fue presentada en la Galería de Arte Contemporáneo, Frida Kahlo sería revalorada en las décadas siguientes hasta ser considerada -según varias voces- como la pintora latinoamericana más importante del siglo XX. Este documental presenta, mediante el uso de fotografías familiares, videos y comentarios de los parientes de Kahlo, algunas facetas de la vida privada de la artista, como sus problemas físicos, su bisexualidad o el amor devoto que profesaba hacia Diego Rivera, además del desarrollo de su particular estilo pictórico.

Edward Munch - El Grito

2011-03-21T14:05:00.000-07:00

El grito, es el título de varios cuadros del noruego Edvard Munch (1863-1944). La
versión más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Oslo y fue completada en
1893. Otras dos versiones del cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en
Oslo, mientras que una cuarta versión pertenece a una colección particular.

Todas las versiones del cuadro muestran una figura andrógina en primer plano, que
simboliza a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación
existencial. El grito está considerado como una de las más importantes obras del artista
y del movimiento expresionista, constituyendo una imagen de icono cultural, semejante
al de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci.

El grito adquirió status de icono cultural tras la Segunda Guerra Mundial. En 1961 la revista
Time utilizó El grito en la portada de su edición dedicada a los complejos de culpa y a la ansiedad.

Leonardo Da Vinci - La Ultima Cena

2011-03-20T21:15:00.000-07:00

Es una pintura mural situada en una pared del refectorio del convento dominicano de Santa María delle Grazie en Milán y requirió diez años de preparación por parte de Leonardo da Vinci. Fue encargado por Ludovico Sforza, duque de Milán.

Técnicamente no se puede afirmar que sea un fresco, ya que este sistema le parecía a Leonardo muy precipitado. Esto le llevó a pintar con óleo sobre el yeso seco, técnica experimental que provocaría un rapidísimo deterioro de La Última cena, provocando numerosas restauraciones.

Varias inundaciones acaecidas en Milán contribuyeron al deterioro de la obra.

La incorporación de una puerta en la sala en 1652, cercenó los pies de varios personajes del mural.

En 1797 un ejercito francés utilizó la sala como establo deteriorando la obra aún más.

En 1943 los bombardeos aliados pusieron su grano de arena en el progresivo deterioro de la obra.

En 1977 se inició un programa de restauración y conservación que mejoró en gran medida el mural. No obstante gran parte de la superficie original se ha perdido.

La pintura refleja el momento de la última cena en el que Jesús anuncia que entre los discípulos hay un traidor. Se forman cuatro grupos de tres personajes donde cada uno plasma una emoción humana: estupor, ira, miedo...

Es sabido que Leonardo utilizó personas reales como modelos para los personajes del mural. Incluso se retrató a sí mismo el segundo empezando por la derecha como se puede ver en la imagen.

Esto es lo que cuenta Mateo Bandello, novicio del convento sobre la ejecución de La Última Cena:
"Llegaba bastante temprano, se subía al andamio y se ponía a trabajar. A veces permanecía sin soltar el pincel desde el alba hasta la caída de la tarde, pintando sin cesar y olvidándose de comer y beber. Otras veces no tocaba el pincel durante dos, tres o cuatro días, pero se pasaba varias horas delante de la obra, con los brazos cruzados, examinando y sopesando en silencio las figuras. También recuerdo que en cierta ocasión, a mediodía, cuando el sol estaba en su cenit, abandonó con premura la Corte Vecchia, donde estaba trabajando en su soberbio caballo de barro, y, sin cuidarse de buscar la sombra, vino directamente a Santa Maria delle Grazie, se encaramó al andamio, cogió el pincel, dio una o dos pinceladas y se fue".

Parte 1

Parte 2

La Imagen Figurativa (Realista y no Realista o Estilizada)

2010-11-21T06:46:00.000-08:00

Las imágenes figurativas realistas son aquellas que representan de manera detallada la apariencia externa de los objetos, los lugares o las personas, tratando de imitar sus rasgos, proporciones, colores y texturas. Por su parte, las imágenes figurativas no realistas representan las características generales de las cosas, haciendo uso de la síntesis de los elementos visuales, su deformación o estilización.

La Imagen Figurativa Realista y No Realista

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MIrada Y Memoria: El Archivo Casasola

2010-09-28T16:07:00.000-07:00

Recorrido en video por las imágenes del Archivo Casasola.

Composición de la Imagen.

2010-09-27T19:55:00.000-07:00

Composicion de la imagen: encuadres y formatos

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Colores: Un Universo Por Descifrar.

2010-08-21T21:26:00.000-07:00

¿Por qué el cielo es de color azul? ¿Qué factores intervienen en el cambio de color de las hojas de los árboles? ¿Existen realmente los colores o son producto de una ilusión óptica? En esta interesante serie documental de tres episodios desvelaremos éstas y otras muchas cuestiones relativas al enigmático mundo de los colores. Analizaremos cómo el ojo humano percibe el color, cómo los creamos y diferenciamos, qué significados poseen los colores en las diferentes culturas... Desde las pinturas rupestres hasta los movimientos artísticos más actuales, todos han hecho uso del color como un elemento insustituible en sus procesos creativos. No se pierdan este completo y fascinante viaje al mundo de los colores donde, gracias a las opiniones de artistas, historiadores, neurólogos y científicos profundizaremos en los orígenes, la naturaleza y el sorprendente poder del color...

Episodio 1: ¿Cómo Percibimos Los Colores?.

Episodio 2: ¿Cómo creamos los colores?.

Episodio 3: La fuerza del color.

Paul Klee

2010-02-01T20:00:00.000-08:00

A pesar de haber nacido en el cantón de Berna y de que en sus últimos años solicitó y obtuvo la nacionalidad suiza, Paul Klee era alemán. Esa era la nacionalidad de su padre, Hans Klee, músico y profesor de la escuela estatal de Berna, en Hofwil, adonde se trasladó al casarse con una estudiante de canto nacida en Basilea. La tradición musical de su familia pesó extraordinariamente en la formación del joven Paul, que comenzó a tocar el violín a los siete años y a los once era ya miembro extraordinario de la orquesta de la Sociedad Musical de Berna. Su opción por la pintura y el dibujo hay que entenderla como una liberación de la idea de continuidad cultural que representaba la música en su familia. Klee siguió siendo un excelente violinista hasta su muerte, aunque nunca se interesó por las corrientes musicales de vanguardia representadas por Schönberg, a quién conoció en Munich, ni por las conexiones de música y pintura tan importantes para artistas cercanos a él como Kandinsky.

Su biografía artística se inicia en Munich, donde empieza a estudiar pintura en 1898. Dos años después ya está en la clase de Franz von Stuck, en la Academia, y su vida se reparte entre la casa familiar en Berna y la capital bávara. Viaja a Italia y a París, fundamentando así sus conocimientos sobre arte antiguo y moderno. En 1906 se casa con Lily Stumpf, una pianista a
la que había conocido siete años antes. Klee se sumerge en la activa vida artística de Munich, donde todas las tendencias modernas conviven con el Jugendstil, el modernismo alemán. Estas influencias se reconocen en el predominio de lo lineal y gráfico en su obra temprana, constituida por aguafuertes y pinturas sobre vidrio que suelen presentar seres fantásticos y figuras deformadas de modo caricaturesco y expresionista.

Será en 1911 cuando entro en contacto con August Macke y Wassily Kandinsky, promotores, junto con Franz Marc, de El Jinete Azul. De este grupo nacerá la abstracción de Kandinsky, pero la participación de Klee, más joven y menos maduro artísticamente que sus colegas, fue modesta: sólo expuso en la segunda muestra del grupo, en 1912, y su contribución al famoso Almanaque, editado ese mismo año, se reduce a un pequeño dibujo. La verdadera explosión de Klee como pintor se produce en 1914, a propósito de un breve viaje a Túnez en compañía de su amigo Louis Moilliet y de August Macke.Allí aprenderá a construir el cuadro a partir del color, superando el estadio fundamentalmente gráfico en que se había movido hasta ahora. La Primera Guerra Mundial no interrumpe su carrera; aunque se le llama a filas, no se incorpora hasta 1916, y siempre en cómodos puestos de retaguardia. Su obra, de hecho, conoce un rápido éxito comercial durante los años de la Guerra, y corre mejor suerte que la de sus amigos Marc y Macke, caídos en el frente.

Después de la guerra participa de forma activa en el Consejo de Artistas de la efímera república comunista proclamada en Baviera. Esta breve experiencia le acerca a las posturas que reclamaban el protagonismo de los artistas modernos en la formación de artesanos y profesionales dedicados a la producción de objetos de uso. No es de extrañar que acepte la oferta que se le hace en 1920 para enseñar en la Bauhaus, a la que permaneció vinculado hasta 1930 en Weimar y Dessau.

Allí profundiza sus relaciones con Kandinsky y Jawlensky, que junto con él y Lyonel Feininger forman Los Cuatro Azules, denominación bajo la que expondrán sus pinturas en alguna ocasión. El periodo de la Bauhaus contribuye a sistematizar su lenguaje pictórico y le brinda la oportunidad de conocer a numerosos protagonistas de la vanguardia histórica europea. Klee puso siempre por delante la dedicación a su obra respecto a la docencia, lo que acabó creándole ciertas tensiones en el seno de la Bauhaus. En 1931 aceptó una plaza de profesor en Dusseldorf más cómoda y convencional, pero dos años más tarde las autoridades nacionalsocialistas lo destituyen, tras motejarlo de "artista judío".

Empieza entonces una verdadera persecución, que incluye un registro de su antigua vivienda en Dessau y la retirada de su obra de los museos alemanes. Su galerista de entonces, Alfred Flechtheim, sufre también persecución por judío y se ve obligado a rescindir el contrato con Klee, de cuya obra pasa a ocuparse entonces D. H. Kahnweiler, el marchante alemán instalado en París que había promovido el cubismo de Picasso y Braque años antes. Klee y su familia se refugian en Berna, pero tampoco encuentra allí grandes facilidades; la difamación nazi y cierta reputación de artista radical no le allanan el camino para obtener la nacionalidad suiza, cuyos penosos trámites aún no estaban ultimados a su muerte.

Contra la enfermedad

En 1936 se le diagnostica, además, una esclerodermia, enfermedad degenerativa que acabará por llevarlo a la tumba. Con pequeños altibajos, si tenemos en cuenta los múltiples contratiempos, su producción continúa a buen ritmo. Algunas obras aluden a la hostilidad de los tiempos, pero dominan los cuadros en los que el color y el componente gráfico se aúnan en característicos pictogramas que guardan cierta similitud con los jeroglíficos. En Alemania las cosas empeoran; aunque la difusión de su obra en Francia, Inglaterra y los Estados Unidos crece de forma imparable, los nazis incluyen una buena representación de sus dibujos y pinturas en la exposición Arte degenerado, de 1937. Los últimos cuatro años de su vida son una lucha constante contra las dificultades burocráticas y contra la enfermedad, que acaba por vencerlo en un sanatorio de Locarno en 1940.

Sus cenizas no podran reposar en el cementerio de Berna, su ciudad natal, hasta seis años más tarde, tras la muerte de su mujer.

Cómo Hacer Una Portada De Revista

2010-01-25T20:02:00.000-08:00

1. Ten a mano una bonita foto.

2. Ir a esta página: http://bighugelabs.com/magazine.php

3. Llenar los campos con nombre de la revista, titulos de las secciones, Fecha, precio... Allí mismo verás un modelo que te ayudará a distribuir los contenidos.

4. Pulsar Create Cover y... (unos segunditos) ¡listo!

5. Ahora puedes Guardar imagen (opción con el botón derecho del ratón).

Cómo Hacer Una Revista en Microsoft Word

2010-01-23T16:42:00.000-08:00

Primera parte de cómo, con imaginación y conocimiento de las herramientas hacemos una revista digital (o impresa) en Microsoft Word

Segunda parte:

Tercera parte:

Tutorial Corel Draw Portada Revista

2010-01-23T16:36:00.000-08:00

Ángulos de Visión

2010-01-21T21:22:00.001-08:00

Angulos de Visión

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Como se Hace - Revista

2010-01-17T18:11:00.000-08:00

Abstracción Geométrica

2010-01-09T19:24:00.000-08:00

Composicion de la imagen: encuadres y formatos

2010-01-08T22:27:00.000-08:00

Composicion de la imagen: encuadres y formatos

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Símbolos del pascola Yaqui

2009-11-28T13:50:00.001-08:00

El proceso creativo en artes plasticas

2009-11-10T21:22:00.000-08:00

Este video muestra el proceso de crear una obra de arte siguiendo pautas nunca antes observadas. Si te gusta el arte subscribete que ya vienen otros más hasta culminar una obra de arte.Visita mi wiki en http://digitart-e.wetpaint.com

Proyectos Creativos De Pintura

2009-11-10T21:07:00.001-08:00

Destino - Salvador Dalí y Walt Disney

2009-11-10T21:01:00.000-08:00

Dirección: Dominique Monfery
Guión: Salvador Dalí y John Hench
Duración: 7 minutos
Francia, USA, 2003

Destino, encargado a mediados de los 40 por Walt Disney a Salvador Dalí, pero que no fue estrenado hasta el año 2003.
La razón es que en su momento el corto formaba parte de un proyecto más amplio que no acabó de realizarse, por lo que todos los dibujos realizados por Dalí quedaron como suele decirse olvidados en un cajón.

El nieto de Walt Disney, Roy Disney, fue el que volvió a poner en marcha el corto, tal y como había sido concebido en un inicio.

El toque de Dalí es indiscutible, las imágenes surrealistas que se mueven al ritmo de la música son excelentes y se ven mezcladas con algunos iconos de la sociedad americana que llaman la atención. Por supuesto, no faltan sus célebres relojes derretidos. No hay un argumento, sino que las imágenes se suceden creando su propia realidad.

Es un corto imprescindible que hay que ver. Estuvo nominado al Oscar en 2004.

Documental Sobre La Vida y Obra De Salvador Dalí

2009-10-26T21:06:00.000-07:00

Parte 01

Parte 02

Parte 03

Parte 04

Parte 05

Parte 06

Parte 07

Parte 08

Leonora Carrington

2009-10-26T20:56:00.000-07:00

Remedios Varo

2009-10-26T20:48:00.000-07:00

Remedios Varo - Tejedora De Sueños

Documental Sobre La Vida Y Obra De Frida Kahlo

2009-10-15T21:32:00.000-07:00

Parte 01

Parte 02

Parte 03

Parte 04

Parte 05

Parte 06

La Xilografía

2009-09-06T22:53:00.000-07:00

Historia Del Grabado

2009-09-06T22:31:00.000-07:00

Técnicas De Grabado

2009-09-06T22:11:00.000-07:00

Mil Gracias!!!

2009-09-03T22:27:00.000-07:00

A TODOS LOS DOCENTES QUE HAN ESTADO PUBLICANDO SUS COMENTARIOS Y ENRIQUECIENDO SU QUEHACER EDUCATIVO, SU SUPERACION PROFESIONAL Y PERSONAL, UN SERVIDOR LES DA LAS GRACIAS POR HACER DE ESTA LABOR ALGO REALMENTE EXITOSO.

PROFR. LEO SIERRA HERNANDEZ.

La escultura barroca

2009-05-18T09:06:00.001-07:00

La escultura barroca está caracterizada por la búsqueda del movimiento, el contraste entre las diversas superficies a la hora de buscar efectos lumínicos y la integración en la arquitectura para obtener intensidad dramática. Abundará la escultura religiosa al servicio de la devoción, pero también encontramos estatuas mitológicas, retratos y escultura funeraria.
Bernini es el gran genio de este estilo y su Extasis de Santa Teresa su obra maestra, mostrándonos de manera exquisita la visión de la santa. La Beata Ludovica Albertoni y la Fuente de los Cuatro Ríos son otras de sus magníficas obras.
En la corte francesa encontramos una escultura adaptada a los dictados de la Academia, siguiendo las reglas clásicas e interpretándose de manera clara. Coysevaux y Girardon son los maestros más destacados.
La escultura española en el Barroco está centrada en lo religioso, buscando el dramatismo y el realismo en las estatuas. La madera es el material más utilizado, empleando policromía e incluso postizos como cabello natural u ojos de cristal.
En el foco castellano destaca la figura de Gregorio Fernández, autor que evoluciona desde el idealismo y la elegancia del manierismo hasta formas naturalistas y dolientes. En la escuela sevillana encontramos a Juan Martínez Montañés, artista que valora la anatomía y logra captar la belleza natural, cargada de serenidad, tensión y fuerza interior. Alonso Cano es el gran escultor de la escuela granadina y sus figuras se caracterizan por la gracia y el exquisito cuidado de la talla. Pedro de Mena también es granadino y realiza esculturas que rozan el misticismo, siendo uno de los maestros más hábiles en el trabajo de la madera.
La escultura barroca española se culmina con Francisco Salzillo, quien pone en práctica una escultura cargada de dinamismo y sentimiento, destacando sus sencillas figuras para belén.

La escultura renacentista

2009-05-18T09:04:00.000-07:00

Spengler ha señalado que el Renacimiento ha sido la única etapa de la Historia del Arte occidental en la que la escultura ocupa un lugar preeminente. La cuna de este nueva corriente escultórica la encontramos en Florencia. Sin embargo, la inspiración clásica no implica copia ni reproducción sino recreación, buscando aportar nuevos valores a mármoles y bronces. El naturalismo, la preocupación por la anatomía humana y los estudios de perspectiva son las principales novedades formales de la escultura renacentista. Las figuras se hacen proporcionadas y se fija una canon realista, con dominio espacial en la implantación de la figura.
En Italia encontramos dos grandes etapas: Quattrocento y Cinquecento. En el Quattrocento destacan las personalidades de Lorenzo Ghiberti, autor de las Puertas del Paraíso del Baptisterio de Florencia; Jacopo della Quercia, autor del Sepulcro de Hilaria del Carreto; y Donatello, escultor que aportará gran naturalismo a sus figuras, como observamos en el San Jorge o el David. Verrochio es el creador del monumento al Colleone, una de las estatuas ecuestres más impactantes.
Miguel Angel llena la mayor parte del Cinquecento. Entre sus espectaculares obras sobresalen la Piedad, el David y el Moisés, excepcional muestra de la terribilitá que define los trabajos de Buonarrotti. Cellini, con el Perseo de la Logia dei Lanzi, y Giambologna, con el Mercurio del Bargello, son los dos creadores que acompañan al genio en este siglo.
En la escuela francesa del XVI destacan Jean Goujon, escultor finísimo y elegante, y Germain Pilon, autor del Monumento funerario de Enrique II y Catalina de Médicis.
En España destacan importantes escultores, como Bartolomé Ordóñez, autor del Sepulcro del cardenal Cisneros, o Diego de Siloe y Felipe Vigarny, creadores del retablo de la Capilla del Condestable. Pero las grandes personalidades del XVI son Berruguete y Juni. Alonso Berruguete admiró a Miguel Angel y sus obras se caracterizan por el dramatismo y el sentido del movimiento. Juan de Juni es más reposado, sin renunciar al dramatismo que caracteriza sus espectaculares Santos Entierros.

Escultura española del primer tercio del siglo XX

2009-05-18T09:00:00.000-07:00

A principios del siglo XX en la escultura española encontramos dos activas generaciones de escultores realistas. Mariano Benlliure siguió ofreciendo en su numerosísima obra el exhaustivo catálogo de técnicas y materiales de los que hizo gala. Aniceto Marinas desplegó en sus obras repertorios anecdóticos con otros más contenidos y discretos.
Entre los modernistas sobresalen varias figuras. Josep Llimoná evoluciona hacia formas más plenamente modernistas con resabios rodinianos; su obra decorativa, retratística, religiosa o funeraria muestra la red de impactos plásticos que asumió. Miquel Blay consiguió sus mejores obras en monumentos de toques rodinianos y obreristas, quintaesenciada articulación de arquitectura y complejos repertorios simbólicos del modernismo. Paco Durrio sintetiza en París de los resortes del simbolismo y el modernismo.
Entre 1918 y 1936 se desarrolla la llamada Edad de Plata de la cultura española. En esta etapa encontramos importantes escultores. Josep Clará recogió la bandera mailloliana creando su prototipo humano sólido y macizo, no ajeno a su devoción griega, rompiendo con los cánones del realismo y modernismo al uso. Apeles Fenosa enlaza con los círculos parisinos que llevarán a su obra hacia un mayor primitivismo lírico. Victorio Macho se inserta en un precoz realismo para establecer luego volúmenes cada vez más sobrios.
Mateo Inurria produjo en los últimos años de su vida obras excepcionales en limpieza de volúmenes y refinamiento. José Capuz combinó los más variados influjos, para luego resumirlos en macizos volúmenes de arcaísmo mediterráneo. La obra escultórica de Pablo Picasso está intrínsecamente trabada en sus otras actividades plásticas, siendo frecuente que la escultura sea banco de experimentación para sus otras aventuras plásticas.
Pablo Gargallo explora las posibilidades de la plancha metálica recortada, a la que extrae un repertorio de matices que, partiendo de lo cubista, llega a lo expresivo. Julio González trabaja en planchas recortadas de hierro y otros metales tratados artesanal e industrialmente, lo que le permite crear una obra donde coexisten el surrealismo expresivo hasta casi convertirse en abstracto, con lo naturalista y popular.
Manolo Hugué nos dejó una obra grácil y sólida, nueva y clásica, realizada en terracota casi siempre, en la que priman los tipos populares. Alberto Sánchez es la figura más profunda de la vanguardia de corte surrealista, nada superficial ni efectista, que busca su inspiración en las esencias populares y orgánicas. Influido primero por lo futurista, Angel Ferrant se pliega luego a lo africano y neocubista, así como a lo noucentista y art-decó para integrarse después en las vanguardias surrealista y geométrica.

Evolución de la escultura clásica

2009-05-18T08:58:00.000-07:00

La época dorada de la escultura griega corresponde a los días de Pericles, la segunda mitad del siglo V a.C.
Mirón será el maestro interesado por el cuerpo humano en movimiento como se puede apreciar en su Discóbolo. El escultor nos presenta a un atleta en el momento de lanzar el disco, inclinando su cuerpo violentamente hacia delante, en el límite del equilibrio, y elevando su brazo derecho al tiempo que gira su cuerpo apoyado sobre su pierna derecha.
Policleto está preocupado por las proporciones del cuerpo humano y es el autor del "Canon". En el Doríforo podemos comprobar que la cabeza es la séptima parte del cuerpo humano; el arco torácico y el pliegue inguinal son arcos de un mismo círculo; y el rostro está dividido en tres partes correspondientes a frente, nariz y la distancia de ésta al mentón. Se trata del prototipo de cuerpo varonil perfecto, elegante, sin formas hercúleas pero sin afeminamiento.
Fidias es el conquistador de la belleza ideal, siendo sus personajes prototipos. Sus obras maestras están vinculadas al Partenón y en ellas podemos contemplar su belleza a través de la técnica de los paños mojados.
En el siglo IV a.C. los dioses se humanizan, las formas se ablandan y la pasión se manifiesta en los rostros, gracias, fundamentalmente, a Praxiteles. Los cuerpos de sus estatuas presentan suaves y prolongadas curvas como se observa en el Hermes. Su cadera se arquea para formar la famosa curva mientras que su brazo derecho mostraría las uvas al niño Dionisos.
Scopas es el escultor que mejor interpreta los estados del alma y la pasión. Sus trabajos se agitan con convulsivos movimientos y las cabezas muestran expresiones apasionadas.
Lisipo prefiere proporciones más esbeltas y cabezas más pequeñas, delatando una actitud más naturalista en la que destaca los múltiples puntos de vista.

El paisaje en los Siglos XIX y XX

2009-03-29T09:29:00.000-07:00

En el siglo XIX se produce un importante desarrollo del paisaje como tema pictórico debido al aumento de su demanda por parte del nuevo poder económico, político y social: la burguesía. Los burgueses desean decorar sus casas con escenas placenteras y buscan en el paisaje la temática más indicada para adornar sus salones. A esto debemos añadir la admiración por la naturaleza que se manifiesta en el Romanticismo y que se continuará en las décadas siguientes, lo que conduce a los pintores a tratar el paisaje como una de sus temáticas favoritas.
Friedrich destaca por el tratamiento simbólico que realiza del paisaje. Renovó este género a partir de la ruptura de las convenciones cromáticas y de perspectiva, por lo que su influencia se extiende a movimientos posteriores.
En Inglaterra la pintura de paisaje tendrá un amplio desarrollo. Sus dos piezas clave serán Constable y Turner. Constable es el máximo exponente del naturalismo en el paisaje, interesado por las luces y las atmósferas y uno de los precursores del impresionismo. Turner estará especialmente interesado en los juegos de luz y las atmósferas, llegando a decir algún crítico de él que "Hay un pintor que tiene la manía de pintar atmósferas".
Fue Camille Corot quien se manifestó como el más preclaro representante de este tránsito que va del paisaje clásico al paisaje realista, manteniéndose al margen de todas las escuelas. La gran novedad que aportaron los pintores de la generación realista fue revelar la riqueza del paisaje francés. Quienes llevaron a cabo las principales innovaciones fueron los pintores de la llamada Escuela de Barbizon o de Fontainebleau, una escuela que, desde un punto de vista histórico, está considerada como el fundamento de la representación realista del paisaje y como la precursora del Impresionismo.
Pero será el impresionismo quien aporte la principal novedad respecto al paisaje, ya que este movimiento tiene como objetivo la búsqueda de la luz y el color directamente del natural, a "plein-air" por lo que las pinceladas se hacen rápidas y empastadas, buscando captar la impresión de cada momento.
El interés manifestado por los impresionistas por la luz y el color motivará paralelamente la pérdida de la forma y el volumen. La reacción inmediata viene de la mano de los propios impresionistas, especialmente Cèzanne, quien pretende "hacer del Impresionismo un arte sólido y duradero, como el que se conserva en los museos", considerando que "la forma alcanza sólo su plenitud cuando el color posee mayor riqueza".
Las vanguardias del siglo XX no dejan de lado el paisaje, especialmente los cubistas que buscan en Cèzanne una de sus fuentes de inspiración Apollinaire considera que el cubismo es una pintura productiva: "Lo que diferencia al cubismo de la pintura antigua es que no se trata ya de un arte de imitación, sino de un arte de concepción, que tiende a elevarse hasta la creación". Al tratarse de un arte conceptual el que se realiza a lo largo del siglo XX, la naturaleza dejará paulatinamente de ser fuente de inspiración, aunque encontramos interesantes ejemplos como algunos trabajos de Robert Delaunay, Piet Mondrian, Schmidt-Rottluff o el propio Salvador Dalí, en los que el paisaje ocupa un papel determinante.

ttp://www.artehistoria.com

El Paisaje Holandés

2009-03-29T09:15:00.000-07:00

La pintura de paisaje alcanzó un desarrollo inusitado en Holanda durante el siglo XVII.
Entre los primeros paisajistas se destaca la vena incisiva y delicadamente arcaizante de Hendrick Avercamp, que pintó con precisión pequeños paisajes invernales por los que pululan multitudes de graciosos personajillos.
Durante las primeras décadas del siglo, Salomon van Ruysdael creará un tipo de pintura que se destacará por la sencillez de la composición, la vastedad de los planos y la ligereza de las brumas, la luz plateada y los colores sobrios y suaves. Los ríos y el mar jugarán un papel primordial en este arte de tintas terrosas y tostadas. Superior a todos los paisajistas de la primera mitad, Jan van Goyen pintará sus vistas marinas volátiles, vaporosas y algodonosas, y sus paisajes de cielos inmensos y horizontes bajos y lejanos, plenos de intensa poesía.
Pero, entre todos los paisajistas de esta época, la gran figura fue Jacob van Ruysdael, discípulo de su tío Salomon, encontró en la naturaleza, especialmente en las vistas boscosas y en las caídas de agua, el eco de sus más íntimos sentimientos, que lo hacen aparecer como un prerromántico. Y, sin embargo, sus obras provocan tal consideración gracias a la alta perfección alcanzada en el dominio de las muchas posibilidades que le ofrecía la ciencia de la composición clásica y en su comunión anímica pura con la naturaleza, que le hicieron superar la nota ilustrativa en favor de la concepción sentimental.
Su amigo Meindert Hobbema, que trabajó con él en Haarlem, pronto se contentó con imitarle, aplicando algunas fórmulas estereotipadas.
El arte de esta época, redescubridor del color y la luz del sol, debe mucho a los llamados italianizantes. Sus pequeños paisajes ideales, con campesinos y pastores, que presentan una mezcla entre la campiña romana y la poética tierra de la Arcadia, causaron gran impresión desde que, en 1641, regresó de Italia Jan Both. Aelbert Cuyp, que no fue a Italia, destacó como creador de un subgénero que combinaba los elementos del paisaje nacional (tomados a través de Van Goyen) con los de la corriente italianizante.
Los paisajes de Cuyp se distinguen por estar animados por figuras de pastores y de caballeros rodeados de animales o por sólo animales. Y es que, tan neerlandés como el paisaje puro o la marina, fue el paisaje con animales, en particular de granja, que dio lugar al nacimiento de los pintores animalistas, en general más preocupados por la observación y la figuración naturalista del animal que por su posible carga poética, entre los que descolló Paul Potter.

Fuente:
http://www.artehistoria.com

Evolucion del paisaje renacentista y barroco

2009-03-29T09:10:00.000-07:00

Uno de los objetivos de la pintura del Renacimiento es crear efectos de perspectiva. Para ello se situarán los personajes en un entorno arquitectónico o paisajístico, dotando a la composición de un efecto espacial. En un primer momento, los paisajes serán meros telones de fondo, pareciendo totalmente ficticios. Pero a medida que pasa el tiempo, las figuras se van integrando de manera más acertada en el paisaje y éste va adquiriendo más importancia en la composición, llegando un momento en que el paisaje se convertirá en un asunto autónomo, como podemos observar en esta Vista de Toledo que pintó El Greco.
En época barroca el paisaje se convertirá en una temática independiente. Uno de los primeros pasos en esta dirección lo dará Annibale Carracci con su Huída a Egipto, donde las figuras se ven desbordadas por un bucólico paisaje de corte clásico. Pero el gran maestro del clasicismo en el paisaje será el francés Claudio de Lorena; sus obras consiguen unos maravillosos efectos poéticos gracias a la atmósfera con dorada niebla producida por la luz solar. Normalmente, son muy similares, siguiendo una composición predispuesta, muy idealizada. Sus composiciones resultan sumamente equilibradas, y sientan el modelo que se tomará durante todo el paisajismo posterior. Poussin será uno de sus principales seguidores y sus pinturas están en esta línea clasicista inaugurada por Carracci, mostrando sus paisajes bajo la excusa de tratar temas religiosos o mitológicos, en un momento en que el género paisajístico comienza a alcanzar su autonomía.
En los Países Bajos este género alcanzará una importante difusión. La razón debemos buscarla en el aumento de la demanda de este tipo de cuadros por parte de la burguesía, verdadero motor de la economía holandesa de la época. Los paisajistas holandeses nos ofrecen una visión más naturalista de su entorno, abandonando el clasicismo italiano.
En España el género paisajístico apenas tiene importancia frente a la pintura religiosa, aunque encontramos algunos ejemplos siguiendo la línea clasicista. Velázquez y sus vistas de la villa Medicis son un caso aparte, ya que gracias a su interés por la luz se consideran como un paso hacia el impresionismo.

Fuente:
http://www.artehistoria.jcyl.es/obrmaestras/videos/904.htm

Doctor Atl

2009-03-28T23:33:00.001-07:00

Jose Maria Velasco: Paisajista Mexicano

2009-03-28T23:28:00.000-07:00

Jose Maria Velasco
Nació en Tematzcalcingo, Estado de México. En 1868 ingresó a la Academia de San Carlos, donde fue discípulo de Eugenio Landesio, mostrando grandes cualidades desde un principio.
Paisajista por excelencia, comenzó con un estilo realista pero sus conocimientos científicos fueron instrumentándose en el análisis de la naturaleza. Su visión del paisaje es amplia y atmosférica, en proyección personalísimas, que hacen a sus obras inconfundibles.
Pintó el Valle de México en múltiples ocasiones, con la atmósfera transparente que le era peculiar y su dimensión gigantezca. Pintor del espacio cósmico como Atl, dejó también paisajes de ruinas, sitios atractivos y románticos, descubriendo las características del ámbito geográfico nacional para la pintura.

Jackson Pollock & Mark Rothko: Iconos del Expressionismo Abstracto

2009-03-28T23:07:00.001-07:00

Jackson Pollock Abstracto Expresionista Lírico

2009-03-28T23:03:00.000-07:00

Artes Visuales 1 "Encuadres y Formatos"

2009-03-08T23:48:00.000-07:00

Proyectos creativos de los alumnos de primer grado sobre el bloque 3 de
Artes Visuales 1.

"Un Proyecto Por La Calidad, La Innovación, La Educación"

2009-03-08T23:32:00.000-07:00

Programa Especial de Televisión Educativa Sobre la Escuela Secundaria Estatal No. 31 "Profr Miguel Angel Loya Martínez" de Hermosillo, Sonora, México, titulado "Un Proyecto Por La Calidad, La Innovación, La Educación". En este programa se presenta el trabajo por proyectos de acuerdo a los nuevos enfoques, planes y programas de estudio en la Reforma De Educación Secundaria.

Primera Parte:

Segunda Parte.

Tercera Parte:

LA NATURALEZA Y EL ESPACIO URBANO EN LA IMAGEN

2009-03-05T23:08:00.000-08:00

LA NATURALEZA Y EL ESPACIO URBANO EN LA IMAGEN

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La Abstracción Lírica

2009-03-05T22:35:00.000-08:00

ABSTRACCION LIRICA

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Historia de Internet

2009-01-12T19:38:00.000-08:00

Los inicio de Internet nos remontan a los años 60. En plena guerra fría, Estados Unidos crea una red exclusivamente militar, con el objetivo de que, en el hipotético caso de un ataque ruso, se pudiera tener acceso a la información militar desde cualquier punto del país.
Este red se creó en 1969 y se llamó ARPANET. En principio, la red contaba con 4 ordenadores distribuidos entre distintas universidades del país. Dos años después, ya contaba con unos 40 ordenadores conectados. Tanto fue el crecimiento de la red que su sistema de comunicación se quedó obsoleto. Entonces dos investigadores crearon el Protocolo TCP/IP, que se convirtió en el estándar de comunicaciones dentro de las redes informáticas (actualmente seguimos utilizando dicho protocolo).

ARPANET siguió creciendo y abriéndose al mundo, y cualquier persona con fines académicos o de investigación podía tener acceso a la red.
Las funciones militares se desligaron de ARPANET y fueron a parar a MILNET, una nueva red creada por los Estados Unidos.
La NSF (National Science Fundation) crea su propia red informática llamada NSFNET, que más tarde absorbe a ARPANET, creando así una gran red con propósitos científicos y académicos.
El desarrollo de las redes fue abismal, y se crean nuevas redes de libre acceso que más tarde se unen a NSFNET, formando el embrión de lo que hoy conocemos como INTERNET.

En 1985 la Internet ya era una tecnología establecida, aunque conocida por unos pocos.
El autor William Gibson hizo una revelación: el término "ciberespacio".
En ese tiempo la red era basicamente textual, así que el autor se baso en los videojuegos. Con el tiempo la palabra "ciberespacio" terminó por ser sinonimo de Internet.
El desarrollo de NSFNET fue tal que hacia el año 1990 ya contaba con alrededor de 100.000 servidores.

En el Centro Europeo de Investigaciones Nucleares (CERN), Tim Berners Lee dirigía la búsqueda de un sistema de almacenamiento y recuperación de datos. Berners Lee retomó la idea de Ted Nelson (un proyecto llamado "Xanadú" ) de usar hipervínculos. Robert Caillau quien cooperó con el proyecto, cuanta que en 1990 deciden ponerle un nombre al sistema y lo llamarón World Wide Web (WWW) o telaraña mundial.

La nueva formula permitía vincular información en forma lógica y através de las redes. El contenido se programaba en un lenguaje de hipertexto con "etíquetas" que asignaban una función a cada parte del contenido. Luego, un programa de computación, un intérprete, eran capaz de leer esas etiquetas para despeglar la información. Ese interprete sería conocido como "navegador" o "browser".

En 1993 Marc Andreesen produjo la primera versión del navegador "Mosaic", que permitió acceder con mayor naturalidad a la WWW.
La interfaz gráfica iba más allá de lo previsto y la facilidad con la que podía manejarse el programa abría la red a los legos. Poco después Andreesen encabezó la creación del programa Netscape.

Apartir de entonces Internet comenzó a crecer más rápido que otro medio de comunicación, convirtiendose en lo que hoy todos conocemos.

Algunos de los servicios disponibles en Internet aparte de la WEB son el acceso remoto a otras máquinas (SSH y telnet), transferencia de archivos (FTP), correo electrónico (SMTP), conversaciones en línea (IMSN MESSENGER, ICQ, YIM, AOL, jabber), transmisión de archivos (P2P, P2M, descarga directa), etc.

Historia De La Televisión

2009-01-12T19:23:00.000-08:00

1884
Paul Nipkow inventa el disco para análisis mecánico de imágenes.

1897
Karl Ferdinand Braun construye el primer tubo catódico.

1900
Reginal A. Fessenden transmite palabras sin cable.

1907
Boris Rosing, en Rusia y A. A. Cambell-Swinton, en Inglaterra, desarrollan simultáneamente métodos de reproducción de imagenes mediante análisis electromagnético.

1923
Vladimir Kosma Zworykin, inmigrante ruso en E. U., crea el iconoscopio, base fundamental de la televisión electrónica.
Se funda la National Association of Broadcasters (NAB), en E. U.

1924
Se funda la Radio Manufacturera Association, predecesora de la EIA.

1925
John Logie Baird realiza una demostración en Londres del primer sistema de televisión.

1927
Philo Farnsworth solicita la patente de la televisión electromagnética.
Bell Telephone Laboratories hace la desmotración de la TV sin cable entre Whippany, N. J., y New York.

1928
Ernst Alexanderson transmite la imagen de una persona a tres hogares.
El Gobieno Federal de E. U. autoriza la primera estación de TV experimental.
AT&Tconsigue hacer las primera transmisión exitosa de imágenes de video a través de líneas telefónicas, entre Chicago y New York.

1929
John Logie Baird realiza las primeras transmisiones experimentales de televisión en Gran Bretaña.

1930
V. Zworynkin también experimenta con la televisión en E.U.

1932
La Unión Telegráfica Internacional y la Unión Radiotelegráfica Internacional se unen para crear la UIT (Unión Internacional de Telecomunicaciones).

1934
Se establece la Federal Communications Commission (FCC).
En México, Guillermo González Camarena realiza experimentos con un sistema de televisión de circuito cerrado, en un pequeño laboratorio instalado en la estación de radio XEFO.

1936
El gobierno nazi usa la nueva tecnología de la televisión durante los Juegos Olímpicos de Berlín; prueba las cámaras mecánicas y electrónicas existentes, hace la primera transmisión en directo, usa por primera vez una unidad móvil y los primeros teleobjetivos en una cámara.
Se inaugura en el Reino Unido el primer servicio de televisión en el mundo.

1938
Se utilizan por primera vez cables coaxiales.

1939
La TV es introducida en la Feria Mundial de Nueva York.
Los primeros televisores son fabricados y vendidos en E.U. por RCA, GE, DuMont y Philco, entre otras compañías.
González Camarena impacta al mundo al inventar la televisión a color, gracias a su sistema tricromático secuencial de campos (obtine la patente de su invento tanto en México como en Estados Unidos, el 19 de agosto de 1940).

1946
El 19 de agosto, González Camarena, realiza la primera transmisión en blanco y negro en México, desde el cuarto de baño de la casa.
El 7 de septiembre, a las 20:30 horas, se inaugura en México oficialmente la primera estación experimental de televisión en Latinoamérica, la XEIGC. Esta emisora transmite los sábados, durante durante dos años, un programa artistico y de entrevistas.

1948
Los televisores se producen con un incremento del 500% sobre el nivel de 1947.
Ed Parsons, ingeniero e inventor, crea en Astoria, Oregon, E.U., el primer sistema de cable, a fin de complacer a su esposa, para quien había comprado un televisor que no podía usarse en su pueblo. Su sistema unía la antena, los receptores y convertidores construidos por Parsons en la azotea del Hotel Astoria, con su apartamento, situado al otro lado de la calle, mediante un cable coaxial.
En México, en septiembre inician transmisiones diarias desde el Palacio de Minería de la "Primera Exposición Objetiva Presidencial". Miles de personas son testigos gracias a los receptores instalados en varios centros comerciales.

1949
Television Digest publica en su número del 13 de agosto el primer artículo de un periódico comercial sobre le invento de Ed Parsons.
La compañía Pilot presenta la primera TV portatil con pantalla de tres pulgadas, junto con un aditamento ampliador de imagen adiocinal.

1950
En el número de abril, la revista Mecánica Popular publica el primer artículo dedicado a la TV por cable, con base a los hallazgos y desarrollos de Ed Parsons.
En junio, en E.E.U.U., se realizan las primeras pruebas de laboratorio de la TV en tercera dimensión. Nunca pudo ser practica para uso doméstico.
El 31 de agosto se inaugura el Canal 4 de la Ciudad de México, el primer canal comercial de televisión de México y América Latina.
El 1 de septiembre se transmite el primer programa con la lectura del IV Informe de Gobierno del Presidente de México, Miguel Alemán Valdés, a través de la señal de la XHDF-TV Canal 4, de la familia O'Farrill.

1951
Se inaugura XEW-TV Canal 2, propiedad de la familia Azcarraga. Transmite desde el Parque Delta (actualmente Parque del Seguro Social) en el Distrito Federal.
XHGC Canal 5 (de Guillermo González Camarena) queda interado al dial televisivo.

1953
La TV NTSC compatible se demostró con éxito ante la FCC, que autoriza iniciar transmisiones el 22 de Enero de 1954.

1954
RCA lanza el primer televisor a color, el CT-100, con pantalla de 15 pulgadas.
La teledifusión en color se inicia.

1956
Comienza la era de los televisores blanco y negro portatiles.
En México, se fusionan los canales 4, 5 y 2 creando Telesistema Mexicano.

1959
Sale al aire la señal del Canal 11 del Instituto Politécnico Nacional.

1957
Radio-Electronics-Television Manufactures Association cambia su nombre por el de Electronic Industries Association (EIA).

1960
Se introduce la primera pantalla rectangular de TV.
Sale a la venta el primer televisor transistorizado y operado a baterías (el modelo Safari de Philco).

1962
Se aprueba la norma legal que exige sintonización de todos los canales (UHF y VHF) en los televisores.
Se lanza el satélite Telstar, que posibilita la recepción de imágenes de televisión en directo entre el Reino Unido y América.

1965
INTELSAT pone en órbita el Pájaro del Alba, el primer satélite geoestacionario comercial.

1968
En territorio mexicano comienzan a operar XHTIM Canal 8, de Televisión Independiente de México) y XHDF-TV Canal 13, de don Francisco Aguirre.
México incursiona en la era de las comunicaciones vía satélite, al transmitir a todo el mundo los diversos eventos de la XIX Olimpiada México 68.

1971
Se lanza el primer sintonizador electrónico de TV en E.U.
El canal 8 (hoy XEQ-TV Canal 9) se une a Telesistema Mexicano y este a su vez se transforma en Televisa (Televisión Vía Satélite).

1972
ante la poca audiencia y graves problemas financieros el Canal 13 pasa a manos del sector público vía Somex.

1973
Se ofrece a la venta el primer proyector de TV para pantalla gigante.

1979
Empieza a operar el primer servicio de telvisión por cable en México con Cablevisión de Televisa.

1980
Comienza a explotarse comercialmente a gran escala la televisión por cable en E.E.U.U. y Gran Bretaña.
En junio, Sharp presenta el modelo DUalvision y con el introduce el PIP (Picture in pictures). Una ventana de cuatro pulgadas con imagenes a Blanco y Negro en una pantalla de 17 pulgadas a color.
La FCC comienza a probar los sitemas de transmisión de Televisión con sonido estéreo en el mes de octubre.

1981
Toshiba muestra la primera televisón con pantalla LCD a Blanco y Negro de 2 pulgadas.

1982
Dolby Laboratories introduce el sonido Sorround en los hogares.

1983
En junio Toshiba introduce al mercado el primer televisor de pantalla plana.

1984
La FCC autoriza la teledifusión de sonido multicanal para TV (MTS o Multichannel Television Sound).
Se inician las primeras transmisiones en estéreo.
Los primeros televisores y adaptadores de estéreo son vendidos, así como los primeros televisores con circuitos digitales completos.
Inician las operaciones del Canal 7 y del Canal 22, dando origen al sistema de televisión estatal Imevisión.

1985
Se comercializan los primeros televisores en color de 35 pulgadas y se comienzan a dar los primeros pasos hacia la digitalización después de la primera generación de monitores con circuitos digitales.

1986
Comienzan las opciones de proveer TV via satelite.
Se inicia la venta de decodificadores y suscriptores de de servicios de television para propietarios de antenas parabólicas.

1987
Se hace la primera demostración del sistema Advanced Television (ATV).
Los conectores S-Video son introducidos para uso compatible de sistemas S-VHS y Beta y editores de video.

1988
Se comercializa el primer receptor de Improved Definition Television (IDTV).
Sony presenta en el mercado el Video Walkman con reproductor de video de 8mm.

1989
Inica operaciones MVS Multivisión, el primer servicio de televisión restringida vía aire en México y América Latina.

1990
Se inicia en E.U. la producción de televisores de pantalla gigante (mas de 27 pulgadas).
Se publica una norma que exige la inclusión de decodificadores de Closed-Captioning en todos los televisores grandes producidos despues del 1 de Julio de 1993.
Es propuesto el sistema All Digital High Definition Television (HDTV) y la FCC establece el período de pruebas.

1991
Se introducen en E.U. los primeros televisores con capacidad de mostrar Closed-Caption.
Comienza las pruebas del sistema HDTV en E.U.

1993
Se comercializan los primeros televisores de pantalla ancha (relacion 16:9) en E.U.

1995
Se transmite por primera vez un programa de TV ("Computer Chronicles") via Internet.
Una estación de TV (KOLD 13) usa por primera vez un servidor de video digital en red para sus operaciones diarias.
Comienzan las pruebas de consumo para el cable módem interactivo.
Se introduce la pantalla plana de plasma para TV.
Se funda la World Wide Web Trade Association (WWWTA).

1996
Se introducen los primeros equipos de televisor con VCR Plus+ incorporado, en E.U.
La HDTV se transmite y recibe en vivo en la estación comercial WHD-TV de Washington, DC.
Se introduce el conector entre caja decodificadora y teléfono, para permitir la navegación en Internet mediante el control remoto.
Zenith introduce en E.U. el primer proyector compatible de HDTV.
Un acuerdo interindustrial entre teledifusores, fabricantes de televisores y de PC establece un estándar para HDTV digital.

1997
La FCC asigna una porción del espectro para la teledifusión digital y establece un plazo para iniciarla.
La Unión Internacional de Telecomunicaciones (UIT) define los principales estándares de teledifusión de TV digital terrena (DTTB), que resultará en TV Digital Cabo-a-Cabo con calidad de Alta Definición y unificará los sistemas de transmisión en todo el mundo.
Se acuerda un sólo estándar de producción HDTV basado en el formato High Definition Common Image (HD-CIF). El estándar proveerá casi el doble de resolución de los estándares en los sistemas de TV en color; evitará distorsiones de imagen y color, "artifacts", con una resolucion igual o mejor que el estándar de película de 35 mm. Además puede soportar 16 canales de sonido estéreo para el hogar, y permite transmitir un programa con varias pistas en idiomas distintos.

1998
La HDTV comercial debuta en el International CES en enero.
El Comité Ejecutivo de los Sistemas de Televisión Avanzada (ATSC) publica la identificación de los formatos de transmisión HDTV y SDTV con los estándares de ATSC para TV Digital.
Existen seis formatos de video en el estándar ATSC DTV que conforman la "TV de Alta Definición". Ellos son los formatos de 1080 líneas por 1920 píxeles en todas las velocidades de imagen (24, 30 y 60 cuadros por segundo), y formatos de 720 líneas por 1280 píxeles a las mismas velocidades. Todos tienen la proporción del formato de 16:9.
Los restantes doce formatos de video, que han representado algunos de los más significativos adelantos del NTSC análogo no son de TV de Alta Definición. Estan referidos al "Estandar de Definición de Televisión". Estos formatos son de 480 líneas por 704 píxeles en formato 16:9 widescreen y proporción 4:3, en las velocidades mencionadas anteriormente, y los formatos de 480 líneas por 640 píxeles a una proporción de 4:3 con las mismas velocidades.
La FCC publica la nueva reglamentación que provee más canales al espectro para la futura transmisión de la TV digital en los canales de 52 al 69, una vez que las señales sean transmitidas digitalmente para el año 2006.
La tecnología digital permite transmitir como máximo seis canales sobre el espectro usado por un solo canal de alta definición.
Hasta el 2006 los teledifusores podrán continuar transmitiendo señales análogas en concordancia con el plan original de la FCC para los siguientes cinco años.
Se funda la Digital Trade Association (DTA).
Se funda la HDTV Guide.
La teledifusion HDTV comercial se inicia el 1 de noviembre con PBS, ABC, NBC, CBS y FOX, en E.U.

La geometría se hace arte.

2008-12-09T19:08:00.000-08:00

La Geometría se hace Arte.

Los frisos, mosaicos y adornos geométricos del arte hispano-musulman constituye una
de las manifestaciones más espectaculares de la geometría en el Arte.

Paseando por la Alhambra estudiaremos las técnicas para construir los mosaicos nazaríes deformando polígonos. De la mano del Prof. Rafael Pérez descubriremos que los artistas nazaríes conocían todas las formas posibles de rellenar el plano utilizando simetrías, giros y traslaciones.

Otro gran genio, el pintor M.C. Escher, utiliza la técnica de rellenar el plano con motivos animados de una forma sorprendente e inquietante. Haremos una excursión por sus
llamativos mosaicos y por sus mundos mágicos de geometrías imposibles.

Parte 1

Parte 2

Los Mandalas

2008-11-10T11:02:00.000-08:00

El mandala, imagen artística y espiritual

Los mandalas se encuentran entre los más conocidos iconos budistas del mundo y constituyen tesoros artísticos de esa centenaria tradición. Son, simultáneamente, ejemplo de expresión artística y medio de espiritualidad de la comunidad budista. El estilo y significado específico de cada mandala se explica según la época y la comunidad que lo realiza. Pero todos tienen algo en común: muestran un orden circular con un centro definido. Como iconos sagrados del budismo, pretenden recordar al espectador de la santidad del Universo y del potencial espiritual del ser humano.

Mandala es una palabra proveniente del sánscrito que define cualquier círculo u objeto con forma discoide, como el Sol o la Luna. En el discurso religioso de la India, el término mandala se refiere a un área espiritual o sagrada, a un círculo, a un diagrama concéntrico o a un grupo de objetos —formas divinas y humanas, terrenales o cósmicas, ideas y símbolos— organizados en un patrón reunido alrededor de un punto central.

En el mundo tibetano, los mandalas se usan para decorar y santificar templos y hogares; en ritos de iniciación para monjes y gobernantes; y como el foco de visualización del clero y de adoración por los feligreses, así como para fines funerarios, acompañando al cuerpo del difunto durante la cremación.

Los mandalas pueden presentarse en una variedad de materiales a través de diversas técnicas artísticas. Pueden elaborarse con piedras semipreciosas trituradas, pétalos de flores, arroz, piedra pulverizada (mármol, etcétera), papel, textil, hilo, mantequilla y arena pintada. La tradición establece las formas, tamaños y colores de este arte. Los más conocidos por el mundo occidental son los mandalas coloridas del Tibet y los mandalas de arena, elaboradas por monjes tibetanos. La construcción de un mandala de este tipo lleva varios días y una vez terminada se destruye, para demostrar la impermanencia de la vida.

Como el budismo viajó de la India a otras partes de Asia, la tradición de mandalas también llegó a Asia central, China, Corea, Japón y el sudeste asiático, hasta Indonesia. Pero el arte de los mandalas floreció especialmente en la rica atmósfera espiritual del Tibet. De ahí que la mayor cantidad y variedad de mandalas los encontremos en la tradición religiosa tibetana.

El sofisticado arte de los mandalas

La arquitectura divina que muestran los mandalas tiene relación directa con la arquitectura terrenal de la tradición budista. En la antigua India los edificios religiosos están estructurados como hogares terrenales para deidades y como bases desde las cuales pueden generar entendimiento espiritual para guiar y enseñar a otros. Versiones en miniatura de templos, stupas y otros edificios funcionan como recordatorio de los lugares sagrados y como símbolos de la presencia de lo divino y la luz espiritual en el mundo de los humanos.

Las imágenes de los mandalas muestran mansiones divinas que contienen deidades (budas), rodeadas por jardines, montañas, lagos, árboles, y seres divinos, legendarios o históricos. Las fronteras de este universo están selladas contra toda influencia negativa por anillos de fuego. Estos mandalas de arquitecturas palaciegas generalmente consisten de un círculo interno que contiene a la (o las) deidad(es) principal(es), contenida(s) en un palacio cuadrado de varios niveles, con aperturas a los cuatro puntos cardinales. El palacio se sitúa en un círculo y fuera de éste pueden encontrarse figuras adicionales. Todas las deidades budistas están reunidas en clanes encabezados por cinco budas. Cada clan ejemplifica un tipo de sabiduría y está asociado con un cierto tipo de personalidad, con un ritual específico, con un color y se le asocia a uno de los cuatro puntos cardinales o el cenit . Cada objeto del palacio tiene un significado, representa algún aspecto de la sabiduría o recuerda al que medita de un principio que lo guía. Cada tipo de mandala enseña una lección distinta.

Mandala de NepalCada figura en un mandala tiene varios propósitos: funcionan como una deidad específica, como una manifestación del poder de una deidad central, como un foco de visualización y meditación o como la expresión plástica del camino de progreso espiritual. Cada una juega varios papeles distintos durante los ritos y visualizaciones que presume un diálogo entre la deidad que se encuentra en el corazón del mandala (y en sus componentes) y el practicante que se mueve, metafóricamente, desde fuera del mandala hacia su centro. En este viaje, encuentra que cada partícula del mandala forma parte de un todo, como sucede con el Universo.

La complicada imaginería de los mandalas se explica en textos antiguos (como el Sadhanamala o el Nispannayogavali ), que contienen capítulos enteros dedicados a detallar distintos tipos de mandalas y su simbolismo. También describen los beneficios mundanos y espirituales que se obtienen al crear, mirar, rezar o meditar con un mandala.

Mandala, espacio sagrado

Mandala es un sinónimo de espacio sagrado. La relación estrecha entre espacio y sacralidad que caracteriza a los mandalas existe en todas las culturas de la historia de la humanidad: puede referirse a una cueva, montaña, gruta o isla o bien a un templo. La peculiaridad de los mandalas es que pertenecen a la tradición cultural del budismo y que tanto sus diseños como la filosofía que las sustenta implican un patrón circular.

Mandala y meditación

En términos religiosos, el mandala representa el área sagrada dentro de la que pueden surgir experiencias espirituales. La experiencia de realizar un viaje espiritual en un lugar sagrado forma parte de una de las principales concepciones religiosas del budismo. Así el mandala es un símbolo de crecimiento espiritual cuyo punto central es la mente. La relación que se establece a través de la contemplación de la geometría del mandala incita a un estado de meditación que ayuda a explorar los rincones de la psique. Las mandales se describen como diagramas del cosmos en un sentido externo y en un sentido interno como guías hacia prácticas de meditación.

En los escritos sagrados del Tibet se dice que durante la meditación uno debe contemplarse a sí mismo y a todas las cosas como un mandala sagrado. La persona que está meditando tiene que situarse en el centro del mandala pensando que es como el buda y que se relaciona integralmente con el intrincado diseño del Universo. Se puede ver a estas imágenes como un diagrama cósmico que nos recuerda nuestra relación con el infinito, que el mundo se extiende más allá de nuestros cuerpos y mentes. Las cuatro puertas que rodean el mandala significan la habilidad de la espiritualidad para desplegarse desde el sitio sagrado hacia otros tiempos y espacios. Los mandalas simbolizan realidades materiales e inmateriales en todos los aspectos de la vida: los círculos celestiales que llamamos Tierra, Sol y Luna, así como círculos de amigos, familia y comunidad.

En este enlace podrás descargar imágenes de Mandalas listos para colorear:

http://www.free-mandala.com/es/start.html

Fuentes:

* Denise Patry Leidy y Robert A.F. Thurman: Mandala The Architecture of Enlightenment. Nueva York, Thames and Hudson /Asia Society Galleries/ Tibet House, 1998.
* Lama Angarika Govinda: Mandala, México, Fundación Tres Joyas / Grupo Editorial Pax,1999.
* http://www.mandalaproject.org/
* http://www.graphics.cornell.edu/online/mandala/

Proyecto Creativo: Entrevista a un artista o artesano de tu localidad.

2008-09-27T09:16:00.000-07:00

La siguente entrevista ejemplifica de manera idónea cómo elaborar y presentar este proyecto creativo referente al Primer Bloque De Artes Visuales de Tercer Grado. Espero sea de gran utilidad para ustedes alumnos.

Entrevista realizada por Rocío Labrada.
Tomado de la revista Status.
Periódico El Imparcial.
Hermosillo, Sonora, México.
Septiembre de 2008.
FOTOS: Alejandro Gutiérrez Ruiz.

Rodolfo Ivich Escárrega
Un artista de tiempo completo
Por Rocío Labrada
Un artista de vocación es sin duda Rodolfo Ivich Escárrega, sonorense que a sus 38 años de vida ha logrado plasmar gran diversidad de sentimientos e ideas a través de su pincel. Considera al arte como su vida, ya que gran parte de su tiempo lo dedica
a crear originales obras donde logra transmitir sus emociones y pensamientos, mismas que han sido apreciadas y adquiridas por personalidades de todo México.
Su estilo expresionista-abstracto ha llegado a posicionarse en importantes y concurridas exposiciones de diferentes ciudades de nuestro País, pues su talento no puede evitar ser admirado por los amantes del arte, además, también se ha dedicado a la escultura con el sabio manejo de varios materiales.
Espontánea y divertida es la esencia de este brillante sonorense, quien en entrevista exclusiva para la Revista Status de EL IMPARCIAL, platicó sobre su historia, inspiraciones y técnicas de su mayor pasión: La pintura.

¿En qué se inspira al momento de iniciar una obra?

“Me inspiro en muchas cosas, me puedo inspirar en un paisaje, en la mujer en sí, en una emoción, temas científicos, también temas espirituales, de índole esotérica, religiosos, todo lo relacionado con las verdades ocultas, todo ese tipo de cosas me llaman mucho la atención, las teorías sobre la formación del universo, el ser humano, las escrituras, todo depende de las series porque yo trabajo mucho por serie, normalmente hago 20 cuadros sobre un mismo estilo, y eso denota un poco más de seriedad en el artista porque estás trabajando sobre un tema que extiendes hasta que lo haces madurar, y después en esa serie descubro cosas, y en la siguiente utilizo un porcentaje de la anterior, incluyendo cosas nuevas, o a veces simple y sencillamente cambio a otro tema nuevo completamente”.

¿A qué edad comenzó a pintar?
“Que yo recuerde cuando comencé a pintar, no seriamente ni nada, lo hice desde el kinder, y ya profesionalmente hablando en la secundaria, cuando yo ya dije “quiero ser pintor”.

¿Cuál es el primer paso al iniciar una obra?
“Primero analizo mucho el próximo paso, mentalmente, pienso y siento, muchas veces empiezo a dibujar sobre la tela con un pincel, con un color oscuro o neutro, y muchas veces hago un boceto previo en carbón o a lápiz, más o menos las manchas, o la idea principal de dónde quiero luz y dónde quiero colores más oscuros, y posteriormente viene la técnica, comienzo por colores grises para después ir poniendo los colores más claros y luminosos”.

¿Qué técnica utiliza para plasmar sus obras?, ¿tiene alguna en especial?
Normalmente utilizo las 2 técnicas tradicionales, cuando es obra de caballete, utilizo acrílico y óleo sobre tela, también puedo utilizar encáusticas, que son la mezcla de pigmentos con cera para crear texturas o puedo utilizar texturas después de la imprimación de la tela, puedo meter una textura acrílica y después utilizar óleo en técnicas mixtas, pero normalmente óleo sobre tela o acrílico. La que me produce muy buenos efectos y que utilizo actualmente es la de acrílicos, ya que seca más rápido y puedes avanzar mucho más rápido en una obra”.

¿Cómo se define como pintor?
“Me defino como artista, no exactamente como pintor, porque también estoy haciendo esculturas de cerámica, barro, gráfica, placa de acero, etcétera”.

¿Fusiona usted la pintura con alguna otra manifestación del arte o la cultura?
“Sí, con la escultura”.

¿Qué significa para usted el arte?
“Para mí el arte es todo, es algo que inspira en mi vida felicidad, se me quedó grabada una frase de un poeta al que se le preguntó ¿a qué había venido a la tierra?, y el respondió que a ser feliz, y eso es para mí el arte, una puerta infinita a muchas cosas, al autoconocimiento, a saber por qué estoy aquí, a saber mis orígenes, estudiar la vida y estudiarme a mí mismo, es un estudio sobre mí, yo pienso que cada persona debe conocerse para ser un mejor ser humano”.

¿Qué considera que hace falta para que los artistas plásticos y pintores sean valorados en el Estado?

“Creo que hay pintores de muy buen nivel en el Estado de Sonora, de la Unison están egresando muy buenas generaciones, muy propositivas, con muy buen nivel, y hay otros pintores ya más adultos con mucha experiencia, que han expuesto fuera del País, yo creo que el proyecto este nuevo que están construyendo era lo que faltaba, pienso que será una puertota para lo que es la cultura y el arte en Sonora, pienso que ese museo va a hacer que Sonora sea más atractivo, porque nuestro Estado es atractivo en muchas cosas, pero esto era lo que faltaba y traerá muchas cosas buenas, ya que el arte tiene mucho que ofrecer a la sociedad”.

¿Proviene de una familia de artistas?
“Mi abuelo paterno, Leonardo Escárrega, era pintor; tengo dos primos por parte de mi papá, excelentes pintores actualmente, Ernesto Ceceña Ivich y Carlos Villegas Ivich”.

¿Cómo define su estilo?
“Mi estilo yo lo considero expresionista- abstracto, aunque a veces tiendo a lo constructivo, pero normalmente soy expresionista- abstracto”.

¿Considera que la pintura abstracta es más apreciada que la tradicional o paisajística y por qué?
“No para nada, pienso que muchas veces es al revés, hay mucha gente que piensa que es más apreciable el trabajo realista o el paisajismo porque quizás es más fácil ver ese trabajo, pues existe gente que piensa que todos podrían hacer un cuadro abstracto y no es cierto, porque no se trata nada más de hacer manchas, sino de que tu obra produzca algo al creador y al espectador, además tiene que reunir una serie de características, conceptos, volumetría, color, luz, la perspectiva, muchas cosas, inclusive a veces es más difícil pintar algo abstracto que algo realista, lo abstracto es algo que proviene totalmente de la imaginación y de las emociones, actualmente se está dando una apertura de apreciar más lo abstracto, gracias a las tendencias que llegan de diferentes ciudades o los movimientos que surgen”.

¿Qué es lo que le deja a usted cada cuadro que termina?
“Me deja satisfacción cuando me gusta, cuando no me gusta pinto otra cosa encima de él, de aquí no sale nada que no me llene a mi al 100%, pero cuando me gusta realmente siento mucha satisfacción, felicidad, veo todo lo que el cuadro me puede enseñar, hablar, también, lógicamente, me deja la observación de mis propios errores, porque aunque parezca que son puras manchas puede haber errores técnicos, conceptuales y los ves y puedes mejorarlos”.

¿Cuál fue el principal obstáculo que tuvo que superar para reconocerse como pintor y para aceptar una obra suya como digna a ser expuesta y compartida?
“No lo puedo llamar un obstáculo, más bien sería que al principio, cuando empiezas, tu obra tiene muy poca madurez, y es cuando los obstáculos se los pone uno mismo, tienes que aceptar que tu obra todavía no tiene la calidad y yo creo que se debe saber reconocer los propios errores al llevar a cabo una obra de arte, si tú los reconoces y sabes de tus errores, eso te abrirá muchísimo la mente para no ponerte cerraduras tú mismo, no hay más que trabajar, pintar uno, y otro, y otro, y no tener temor a equivocarse, porque hasta cuando te equivocas en un cuadro muchas veces salen cosas muy interesantes que después se convierten en algo a lo que puedes recurrir para llevar a cabo un buen concepto”.

¿Dónde se pueden apreciar sus obras?
“Actualmente trabajo con Lucita Aguilera, ahí hay siempre obras mías, aquí en mi estudio, o en alguna exposición que esté realizando de manera externa, pero con ella trabajo 100%, ella me representa”.

¿Qué colores utiliza con más frecuencia en sus cuadros?
“Me gustan mucho los azules, los colores tierra y los grises, no soy de pintura muy alegre, soy más de pintura un poquito más visceral, colores quemados, no triste pero sí un poco dramático”.

¿A quién admira?
“¡Definitivamente a Picasso!”

EN BREVE:
Nombre completo: Rodolfo Ivich Escárrega.
Edad: 38 años.
Lugar y fecha de nacimiento:
Hermosillo, Sonora, el 9 de enero de 1970.
Sus estudios: Sus primeros estudios fueron en la Casa de la
Cultura, después realizó talleres de la Academia de Bellas Artes de la Unison. Viajó a la Ciudad de México donde tomó unos cursos especiales de grabado y litografía impartidos por el profesor Antonio Alvarado.
Exposiciones realizadas:
Colectivas:
Galería Maira Nakatami, México, D.F. (2002).
Galería Moreno, México, D.F. (2002)
Galería Zulug, México, D.F. (2004)
Subasta Centro de Gobierno, Hermosillo, Sonora . (2008)
Exposiciones individuales:
Galería 1919, México, D.F. (2001)
Galería Cesaretti, Hermosillo, Sonora. (2002)
Corporativo Arcos, Mexico, D.F. (2002)
Galería Lucita Aguilera, Hermosillo, Sonora. (2007)
Galería Casa de Luna, Mexico, D.F. (2008
Galería Centro de las Artes, Universidad de Sonora. (2008)
Galería Blanco arte contemporáneo en Saltillo. (2008)
Su obra favorita (propia): Su obra favorita siempre será la próxima, porque cada vez que hace un cuadro experimenta sobre él mismo.
Su obra favorita de algún pintor famoso: Son muchas, pero en general admira las obras de Picasso, Roberto Mata, Carlos Mérida, Pedro Coronel, entre muchas más.

Historia de la Cámara Fotográfica

2008-09-20T17:03:00.000-07:00

La Escala De Planos

2008-09-20T13:32:00.000-07:00

Los Planos Fotográficos

2008-09-20T12:45:00.000-07:00

En fotografía, igual que en cine, se habla del plano cuando se quiere expresar la proporción que tiene el tema dentro del encuadre, los cuales en gran medida nos indican que porción de la imagen debe aparecer en la toma y cuales son los mejores cortes que se pueden realizar sin que se descuide la proporción adecuada y que la misma conserve la estética de la imagen.

1. Plano General o Plano Largo.

Los Planos Largos o planos generales son los que ofrecen un mayor ángulo de cobertura de la escena. Su función es poner sobre la mesa una situación en que lo importante es la escena en su conjunto y no un detalle en particular.

El Gran plano general o Plano general largo (P.G.L.) muestra un gran escenario o una multitud. La persona no está o bien queda diluida en el entorno, lejana, perdida, pequeña, masificada. Tiene un valor descriptivo y puede adquirir un valor dramático cuando se pretende destacar la soledad o la pequeñez del hombre enfrente del medio.

Se da así más relevancia al contexto que a las figuras que se toman o se graban.

2. Plano General Corto.

El Plano General Corto se centra en los individuos restando importancia al entorno. Aún se puede intuir la situación en la que están los sujetos, pero este aspecto es ya mucho más secundario.

3. Plano General Conjunto.

El Plano General Conjunto reduce el campo visual y encierra los personajes en una zona más restringida, de forma que puede ir individualizando cada objeto o sujeto de forma más precisa. Cuando se fotografían personas, este tipo de plano alcanza a capturar la figura completa ajustada a los bordes de la imagen.

4. Plano Entero.

Los pies y la cabeza de la figura humana limitan prácticamente con los bordes inferior y superior del cuadro de la imagen.

5. Plano Medio o De Cintura.

Como su nombre lo indica, es el plano intermedio por excelencia. Se produce a la altura de la cintura, y empieza a ser considerado un plano de retrato.

Con el plano medio cedemos más importancia todavía a los aspectos emocionales del sujeto. En esta ocasión cortamos a los personajes por encima de la cintura. En este plano influirá el hecho de hacer la fotografía en formato vertical u horizontal. Eligiendo el primer caso, el personaje ocupará la gran mayoría de la escena y el fondo pasará desapercibido.

6. Plano Medio Corto.

Plano medio corto encuadre de una figura humana cuya línea inferior se encuentra a la altura de las axilas. Es mucho más subjetivo y directo que los anteriores.
Los personajes pueden llegar a ocupar la pantalla con un tercio de su cuerpo, y permite una identificación emocional del espectador con los actores.

Se llama plano medio corto si la toma se hace desde la altura del busto a la parte superior de la cabeza.

7. Plano Americano.

Es un plano americano si el corte de realiza aproximadamente,
a la altura de las rodillas.

Tiene su origen con las películas del oeste, y no fue hasta entonces cuando se comenzó a hablar de este plano como tal. Apareció porque se requería un tipo de plano medio que capturase al sujeto con desperdicio del fondo pero que permitiese ver el desenfunde del revolver.

8 El Primer Plano.

El primer plano es el perfecto para el retrato del rostro.

Agranda el detalle y miniaturiza el conjunto de la escena, eliminando de una vez por toda la importancia del fondo.

Es tremendamente útil recurrir a encuadres verticales, reservando los horizontales para cuando tomemos imágenes en las que el rostro se acompaña con gestos de las manos o queramos jugar con el aire de la imagen.

9. Primerísimo Primer Plano.

La cabeza llena aproximadamente la pantalla.

El primerísimo primer plano suele caracterizarse por la desaparición de la parte superior de la cabeza y la fijación del límite inferior en la barbilla del personaje. La carga emotiva se acentúa y la atención en el personaje es prácticamente total.

10. Plano De Detalle.

El Plano Detalle es el plano más cercano.

Como ocurría con otro tipo de planos, el contexto de la escena definirá que se trate de un plano detalle o no. De esta forma, una imagen de la Torre Eiffel puede ser un primer plano de la torre o un plano detalle de la ciudad. Este tipo de planos son difíciles de emplear con acierto, ya que pueden confundir al espectador al no dar referencia alguna ni del entorno ni siquiera, del propio sujeto. Los detalles se agrandan al máximo y la carga emocional alcanza su punto álgido.

El plano detalle suele confundirse con el concepto de foto macro, y no es lo mismo. Como su nombre indica, el plano detalle muestra un pequeño detalle que, en un plano "normal" pasaría desapercibido.

Tutorial Cómo Eliminar Fondos

2008-09-14T19:28:00.000-07:00

En este tutorial aprenderás a eliminar fondos o áreas de una fotografía que no desees para después editarla con Photoshop, ideal para tu proyecto de publicidad.

El software a utilizar se llama Vertus Fluid Mask.
http://www.vertustech.com/

Proyecto Creativo: Dibujos y Puntos

2008-09-14T19:19:00.000-07:00

Este trabajo es para que pongas en práctica tus habilidades artísticas a base de dibujos y puntos.

Haz click en la imagen para verla en tamaño grande.

Historia de la Fotografía

2008-09-14T18:42:00.000-07:00

Documental sobre la historia de la fotografía.

El Retrato - El arte de posar - El book fotográfico

2008-09-14T18:37:00.000-07:00

Programa en elque se muestra cómo conseguir mejores fotografías. Ideal para para tu proyecto de publicidad.

Parte 1

Parte 2

El Reportaje Fotográfico

2008-09-14T18:29:00.000-07:00

En este programa te presentamos algunas técnicas para que tu reportaje fotográfico sea un exito.

Parte 1

Parte 2

La publicidad al descubierto

2008-09-01T09:41:00.000-07:00

El mundo "maravilloso" que presenta la publicidad tiene sus técnicas, sus trucos, sus medios, de seducirnos con un objetivo claro: que compremos. Aqui se muestran algunas de ellos.
Desarrollado dentro del programa de la Red de Educación del Consumidor (formada por las CC. AA. españolas), realizado por la Escuela Europea de Consumidores del Gobierno de Cantabria (http://www.infoconsumo.es/escuela) como guía para la formación de las personas como consumidores conscientes y libres.
Para más info: http://www.e-cons.net

La publicidad al descubierto (1a. parte)

La publicidad al descubierto (2a. parte)

Programa Abecedario Audiovisual

2008-08-24T08:29:00.000-07:00

Programa Abecedario Audiovisual en el que se ejemplifican los componentes básicos que articulan los mensajes audiovisuales; planos, ángulos, movimientos de cámara y montaje.

Parte 1

Parte 2

Parte 3

La Naturaleza Y El Espacio Urbano En La Escultura

2008-05-06T20:34:00.000-07:00

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El Cuerpo Humano En La Escultura

2008-05-06T20:10:00.000-07:00

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Ejercicio Dibujo Retrato Bebé

2008-04-14T09:43:00.000-07:00

Este es otro ejercicio para practicar y dibujar retratos a lápiz. Parte del software educativo "Teaching You Art Skills" Desarrollado Por Focus Multimedia Ltd.

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Ejercicio Dibujo Retrato Hombre

2008-04-09T22:04:00.000-07:00

Este es un ejercicio para practicar y dibujar retratos a lápiz. Parte del software educativo "Teaching You Art Skills" Desarrollado Por Focus Multimedia Ltd.

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Obras De Kandinsky

2008-04-05T08:01:00.000-07:00

Desde este enlace podrás descargar un e-book en formato pdf para que puedas admirar e inspirarte para tu proyecto de pintura abstracta lírica:

http://www.slideshare.net/elprofeleo/kandinsky/download

Pinturas De Wassily Kandinsky

2008-04-03T22:46:00.000-07:00

Pinturas De Paul Klee

2008-04-03T22:44:00.000-07:00

El Cuerpo Humano En La Imagen

2008-03-02T21:29:00.000-08:00

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Slide 1: Esta presentación Las imágenes contiene animaciones incluidas en este configuradas en el material tienen un programa Power Point versión Office 2003. Se propósito recomienda visualizarlo estrictamente con dicha versión. didáctico.

Slide 2: cuerpo identidad vida bloque 4 muerte el cuerpo emoción humano deseo en la imagen memoria

Slide 3: La representación del cuerpo humano Pinturas de Cogul. Mesolítico. Pintura rupestre. Lleida, España El cuerpo ha sido una fuente de inspiración muy importante para los artistas -y su imagen- una especie de espejo en donde se ven a sí mismos y a su entorno. Casi todas las culturas lo han representado en algún momento, por ello en este bloque abordaremos distintas maneras de imaginar la corporeidad y de entender al ser humano .

Slide 4: Retrato La representación del cuerpo Desnudo El cuerpo como motivo

Slide 5: El retrato Una de las funciones más importantes del retrato es la de guardar, a través de la imagen, la memoria de una persona. Un retrato puede transmitir información que es difícil expresar en palabras, ya que caracteriza al modelo como un individuo concreto, a través de la representación de su parecido físico o de los objetos que le rodean. A veces, también nos muestra su personalidad o estado de ánimo, y otras, su posición social. Pero existen retratos en donde el modelo es sólo un pretexto, pues su imagen puede servir para registrar un hecho Mary Ellen Mark. La familia Damm , 1987, plata sobre gelatina. o simbolizar algo más.

Slide 6: Retrato de Mujer. Egipto s. I-II El retrato nos Cera sobre tabla. Museo Arqueológico de Florencia. permite interrogarnos acerca de la psicología de una persona, aunque ésta haya desaparecido hace cientos de años Los retratos de Fayum fueron realizados en Egipto durante el periodo romano. El estilo de representación realista nos permite sentir gran cercanía con los modelos. La intensidad de la mirada del hombre de la derecha delata su estado de ánimo, su seriedad e incluso su tristeza. Estas tablas adornaban las casas de sus dueños, pero a su muerte, se colocaban encima del sarcófago en el que eran sepultados, a manera de máscara. Retrato de hombre, ca. 100 d.C. Cera sobre tabla. 33 x 17.2 cm. Museo Británico, Londres.

Slide 7: El es el retrato del actor japonés Otani Este Oniji II interpretando uno de sus papeles de teatro kabuki. Fue realizado por Toshusai Sharaku, quien captó los gestos empleados por el actor para transmitir un carácter malvado. Observa la mirada penetrante, el cuerpo inclinado, como al acecho, el pelo erizado y las manos extendidas, como si fuera a capturar algo. En sus obras, Sharaku se alejaba de la idealización y también de la representación realista; en cambio exageraba los rasgos faciales para enfatizar la personalidad de sus modelos.. Los rasgos faciales en un retrato suelen servir para sintetizar la personalidad. Toshusai Sharaku, Japón.Otani Oniji II, 1794. Grabado en madera impreso sobre papel, 38.1 x 22.9 cm. Museo Metropolitano de Arte Nueva York.

Slide 8: Leonardo Da Vinci representó en esta obra a Cecilia Gallerani, la joven amante de su patrón Ludovico Sforza, duque de Milán. La pose elegida por el artista vuelve a la imagen dinámica y nos produce la sensación de ver a alguien vivo. La expresión del rostro y la actitud de la mano, ilustran la personalidad de la joven. El armiño que acaricia esta hermosa mujer probablemente tiene un significado simbólico, que se ha interpretado como una alusión a la pureza y la modestia. Asimismo, aparecía en el escudo de armas de Ludovico; mientras que la palabra griega “gale” (armiño), recuerda el apellido de la joven. Este retrato es alegórico, es decir, tiene elementos que simbolizan algo distinto a lo que vemos. Leonardo da Vinci. La Dama del armiño (Cecilia Gallerani), Italia, 1490. Óleo sobre madera, 54.8 x 40.3 cm. Museo Czartorsyski, Cracovia

Slide 9: Diego Velázquez, Retrato de Inocencio X, c. 1650 Oleo sobre tela 141 x 119 cm Muchos retratos son Galería Doria-Pamphilj, Roma hechos para complacer al modelo, pero algunos representan con crudeza los rasgos de su personalidad. Diego Velázquez, Retrato de Juan de Pereja, c. 1650 Oleo sobre tela 81,3 x 69,9 cm Museo Metropolitano de Arte, Nueva York Diego Velázquez, el mejor representante del realismo español, pintó estos retratos en Roma hacia 1650. Uno de ellos es de su ayudante morisco Juan de Pareja; mientras que el otro es del Papa Inocencio X. Ambos sorprendieron en su tiempo por la veracidad de sus gestos, en ellos las miradas concentran gran expresividad y en ninguno se idealiza al modelo, por el contrario los rasgos son tratados con crudeza. La imagen del papa refleja la severidad, arrogancia, fealdad y sumo poder de este individuo.

Slide 10: ¿Has visto que sus manos hablan tanto como su boca? Se espera que un retrato muestre el aspecto externo de alguien pero también que hable de sí. Para ello además de los rasgos físicos August Sander,, Retrato de una secretaria, 1931. Plata individuales hay sobre gelatina. que atender a la En el retrato de Silvya von Harden, Otto Dix pose. enfatizó la elocuencia de la periodista a través del gesto. El movimiento de las manos juega un papel muy importante para enfatizar el carácter del personaje. Además, vemos cómo fue captada en plena conversación, con la boca abierta, la mirada dirigida fuera del cuadro e incluso con la media un tanto descuidada, lo que le da un rasgo de espontaneidad a la obra. Por su parte, la fotografía de una secretaria que realizó August Sander unos años antes que Dix, nos presenta una sensibilidad similar hacia el retrato, sólo que en este caso la pose no tiene ese misma naturalidad, pues la modelo mira hacia el Otto Dix, Retrato de la periodista Silvya von Harden, 1926. Óleo y temple sobre madera, 121 x 89 cm. espectador. Museo Nacional de Arte Moderno, París

Slide 11: El retrato aparece en la publicidad prácticamente desde sus inicios. Henri de Toulouse Lautrec le dio un papel muy importante, utilizando para sus carteles las imágenes de bailarinas y cantantes populares del París decimonónico. El retrato publicitario se aleja de la individualidad y se compromete con ideas como la apariencia y la uniformidad. Recurre a lo genérico en su desinterés por la personalidad, de tal manera que los retratados no interesan por quienes son, sino por lo que pueden vender. Henri de Toulouse-Lautrec, Divan Japonais,1893. Litografía a tiza, pincel y salpicaduras con la trama visible, en cuatro colores. 78,8 x 59,5 cm. Museo de Arte Moderno, Nueva York. Retratos para vender

Slide 12: La publicidad nos ha vendido la idea del Las imágenes publicitarias que utilizan el cuerpo atlético como perfecto y deseable. cuerpo humano, se han dedicado a difundir ciertos estereotipos de belleza, empeñándose en construir un modelo de belleza único y artificial. Las figuras de atletas, como las pintadas por Ernesto García Cabral para el semanario Revista de Revistas, aparecen con frecuencia en todo tipo de publicidad, convirtiéndose en ejemplos del ideal de belleza y salud. Así, la publicidad fomenta la búsqueda de cuerpos perfectos, que sean el complemento adecuado de una vida supuestamente satisfecha. Ernesto García Cabral, Portada de Revista de Revistas 25 nov 1923, Impreso. Hemeroteca Nacional, México. Fotografía, Alberto Verjovsky y Horacio Muñoz Ernesto García Cabral, Figuras del ring en pleno combate, portada de Revista de Revistas, 15 abril 1923. Impreso, Hemeroteca Nacional, México. Fotografía: Alberto Verjovsky y Horacio Muñoz

Slide 13: Uno de los propósitos del retrato documental es crear conciencia social, así como denunciar y generar empatía con el espectador. Asimismo, nos puede permitir alcanzar un mejor conocimiento de la condición humana. Dorothea Lange fue una fotógrafa que registró con su lente la vida rural norteamericana durante la Gran Depresión de los años 30. Su objetivo estuvo atento a los desempleados, gente sin hogar, emigrantes y desplazados; documentando la pobreza, el hambre y el abuso que sufrían algunos grupos marginales. Dorothea Lange, Recolector de algodón migrante, 1940. Plata sobre gelatina Museo de Oakland, California. El retrato documental puede servir para hacer una denuncia y crear conciencia social. Dorothea Lange, Madre migrante, 193. Plata sobre gelatina. Museo de Oakland, California.

Slide 14: ¿Puede el retrato mostrar las condiciones de vida del sujeto? Mary Ellen Mark, Jyotsana montando sobre el elefante Mary Ellen Mark,Circo Hermanos Vázquez, México, 1997. Plata sobre gelatina. Vahini,Circo Amar Delhi, 1989. Plata sobre gelatina. Al retrato documental puede llamarse también documentalismo social. Se trata de un género fotográfico interesado por las condiciones del medio en que se desarrollan los individuos. No trata de representar los hechos pasajeros, sino constituye una reflexión, un intento de comprender y mostrar al hombre en sus circunstancias. Se caracteriza por no manipular las situaciones, a pesar de que muchas veces los personajes posan para la cámara. La fotógrafa Mary Ellen Mark realiza su trabajo entre el fotoperiodismo, el documentalismo social y el arte fotográfico. Ha documentado la vida en los circos, en los rodeos, de las prostitutas y de los niños de la calle. Tiene un interés humanitario, a través de sus fotografías pretende relatar las historias de sus retratados, llamando la atención sobre sus condiciones de vida.

Slide 15: Existen diversas razones por las cuales se puede realizar un autorretrato. Ya sea que el pintor lo tome como un ejercicio para demostrar su talento y capacidad técnica; o bien como un medio de autoconocimiento personal. Por largo tiempo, también sirvieron como un vehículo para lograr el reconocimiento social, pues al representarse a sí mismo, el artista reafirmaba el valor de su trabajo, como una actividad intelectual y no sólo Alberto Durero, Alberto Durero, Autorretrato Alberto Durero, Alberto Durero, Autorretrato Autorretrato a los 13, a los 22, 1493. Óleo sobre Autorretrato a los 26, 1498. a los 28 , 1500. Óleo sobre manual. Así, utilizaba el autorretrato para 1484. Punta seca sobre tela, 57 x 45 cm Museo de Óleo sobre tabla, 52 x 41 cm. tabla, 67.1 x 48.7 cm. mostrarse como quería ser visto frente a los papel, 27.5 x19.6 cm. Louvre, Paris Museo del Prado, Madrid Pinacoteca Antigua, Munich demás. Colección Gráfica Albertina, Viena En la historia del arte europeo, Alberto Durero fue el primero en autorretratarse de manera habitual. Su autorretrato como adolescente puede considerarse un ejercicio en la formación del artista, mientras que el realizado cuando contaba ¿Por qué retratarse a sí mismo? con 28 años puede ser visto como un gesto de orgullo, ya que de manera deliberada estableció una analogía entre su imagen y la que comúnmente se pintaba de Cristo. También buscaba permanecer en la memoria de sus contemporáneos al escribir junto a su imagen la siguiente frase: “Así yo Alberto Durero de Nuremberg me pinté a mi mismo con colores indelebles a los 28 años.”

Slide 16: El autorretrato puede ser usado como una exploración personal en la individualidad, durante el siglo XX varios autores lo han visto de esta forma y han ¿Y tú cómo te describirías? hecho de él tema fundamental de su producción. Chuck Close, es un pintor del nuevo realismo norteamericano cuya producción se concentra en los retratos, entre ellos destacan los que ha realizado de si mismo. A diferencia de Durero, Close no busca tanto la permanencia y reconocimiento social, sino una indagación psicológica en la propia personalidad. Al realizar sus obras este artista parte de fotografías, que después transforma en ¿Mostrarías sólo tu aspecto pinturas sobre lienzo o grabados. exterior o también tu personalidad? Chuck Close, Estudio para Chuck Close, Autorretrato, 1997. Polaroid motada sobre Chuck Close, Autorretrato, autorretrato, 1968. Plata Chuck Close, Autorretrato, espuma con cinta, tinta, 2000. Impreso, pulpa de sobre gelatina, lápiz, tinta y 1997. Óleo sobre tela, 259.1 cinta sobre tabla, 47.2 x grafito y óleo sobre tabla. papel y pochoir, composición y hoja. 64 x 49 cm. Museo de x 213.4, Museo de Arte 33.9 cm. Museo de Arte 91.2 x 61 cm. Museo de Arte Arte Moderno, Nueva York Moderno, Nueva York Moderno, Nueva York Moderno, Nueva York El autorretrato permite explorar en nosotros mismos.

Slide 17: Imágenes del cuerpo REALISMO Volver NO REALISMO

Slide 18: Definir el realismo no es cosa fácil. Hay quienes piensan que existen muchos tipos de realismo y que éstos poco tienen que ver entre sí. En la cultura occidental, el realismo ha estado relacionado por mucho tiempo con la capacidad de representar la apariencia de las cosas, tal y como las aprecian nuestros sentidos. Así, las representaciones realistas del cuerpo humano ¿qué es el suelen mostrarlo de manera directa y con gran cantidad de detalles. realismo? Petrus Christus, Retrato de un monje cartujo, s. XV, óleo sobre tabla, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York Por otro lado, las imágenes no realistas del cuerpo, comprenden las más diversas modalidades de la representación que se aleja de las formas naturales; entre ellas las que suelen deformar, idealizar o sintetizar sus formas y rasgos. ¿y el no Muchas veces nos es difícil disfrutar de estas imágenes, pues no podemos reconocernos fácilmente en ellas. En realismo? cambio preferimos aquellas que podemos captar fácilmente y engañan a nuestra percepción, pero es importante entender que los autores no realistas suelen recurrir a la transformación del cuerpo en una búsqueda de potenciar la expresión. Tumba de un funcionario de la dinastía XVIII (detalle), Egipto. Fresco, Museo Británico Londres

Slide 19: A pesar de mostrar una cierta uniformidad de las figuras humanas, los murales mayas de Bonampak pueden considerarse dentro del realismo, pues abundan en la descripción de detalles de la vestimenta y guardan cercanía con las proporciones reales de los cuerpos, en un esfuerzo por no suprimir nada de la realidad. En cambio, las pinturas murales teotihuacanas nos presentan figuras humanas desproporcionadas; que aunque también muestran numerosos detalles, suelen ser abstractas y geométricas, con menos similitud al mundo real. Pintura mural Bonampak, Palacio de Tetitla, Teotihuacan ca.790. Estuco pintado ca. S. V d.C, Estuco En el códice mixteco, la representación del cuerpo humano se muestra de manera simplificada y en fragmentos. El torso suele aparecer de frente o de tres cuartos, mientras que la cabeza y las extremidades de perfil. El rostro se caracteriza por tener una nariz saliente, ojo de frente y sin ceja. Los brazos y las piernas no se representan con grandes diferencias de extensión ni grosor. En cuanto a la proporciones del cuerpo, son más notorias la cabeza, las manos y los pies, de modo que la figura humana se ve como una reunión de partes, antes que como una unidad. En el arte de Mesoamérica encontramos representaciones realistas y no realistas. Fragmento Códice Nutall, México s. XIV. Museo Británico, Londres.

Slide 20: Liang Kai, El poeta Li A través de los Po, China, s.XII. siglos la estética Tinta sobre papel, 30.9 cm altura. china ha Comisión para la Protección de Bienes explorado Culturales, Tokyo diversos caminos de representación. A veces abunda en la descripción pormenorizada, y otras, en la pincelada sintética. Estas dos imágenes nos muestran las diferencias ocurridas en el arte chino a lo largo del tiempo. Arriba observamos la figura del poeta Li Po pintada sobre un rollo de papel hace unos 900 años. De líneas esenciales y sin detalles superfluos fue realizada por un artista de la escuela chan. La rapidez de la ejecución y la espontaneidad eran admiradas por esta escuela, considerándose como un equivalente de la súbita iluminación budista. A la izquierda, vemos un retrato de la corte imperial realizado 600 años después, cuando la pintura local había sido influida por el arte occidental. Así, observamos la gran cantidad de detalles con la que ha sido dibujada la emperatriz: su vestimenta cargada de Anónimo, Retrato de la emperatriz simbolismos, el colorido y la perspectiva Xiaosheng, China 1751. Pintura sobre seda. 230.5 x141.3 cm. Museo del lineal son algunos de los elementos plásticos Palacio,Beijing incorporados.

Slide 21: Manto Nasca, Perú s. i-II d.C. Algodón y Lana de alpaca,. 104.8 cm Museo Metropolitano, Nueva York Mira cómo nadan o vuelan, y cómo mueven sus manos estas figuras humanas. Tapiz de Bayeux (detalle), Inglaterra ca. 1080 d. C. Textil. 50 cm altura. Museo de Tapices, Bayeux Las imágenes del cuerpo humano no sólo las encontramos en dibujos y pinturas, pueden también aparecer en otros objetos utilitarios como los textiles. Los que aquí te presentamos son de épocas y culturas distintas, pero en ambos el cuerpo humano es protagonista del diseño. A pesar de sus distancias culturales, en ambos se nota un tratamiento esquemático del cuerpo, para el cual las proporciones reales, los detalles anatómicos, el volumen y el movimiento natural no son aspectos importantes.

Slide 22: En Europa después del Renacimiento tuvieron lugar dos tendencias pictóricas. La primera se inclinaba por mostrar la belleza idealizada de las formas naturales, mientras que la segunda prefería plasmar la realidad con mayor crudeza. “El Caravaggio” fue el primer representante de la tendencia realista. Para él, la pintura debía ser verdadera, es decir, debía representar la realidad tal y como es percibida, sin idealizarla. Por ello recurrió a personas comunes para que fueran modelos de sus obras. Si los apóstoles habían sido hombres pobres y rústicos, así debían ser representados en la pintura, sin ningún rasgo de nobleza. Plasmar el mundo tal como lo perciben nuestros sentidos fue el propósito de los pintores europeos de tendencia realista en el siglo XVII. Michelangelo Merisi da Caravaggio, La incredulidad de Santo Tomás, Italia, ca. 1602. Óleo sobre tela. 107 x 146 cm. Palacio Institucional y Jardines de Sanssouci, Potsdam.

Slide 23: La obra de Rembrandt es un buen ejemplo del realismo en la pintura del norte de Europa del siglo XVII. En este retrato colectivo representa el tema mismo de la exploración de la realidad, al mostrarnos a un grupo de médicos recibiendo una lección de anatomía. No sólo los pintores se interesaban en la realidad, también los científicos compartían este interés, que los llevaba Harmennsz van Rijn Rembrandt, La lección de anatomía del doctor Tulp. Holanda, 1632. Óleo sobre tela. 169,5 x 216,5 cm. a explorarla. Mauritshuis, La Haya

Slide 24: En el siglo XIX, la enseñanza de la pintura en México estuvo apegada a los cánones ¿Será una académicos. Una de las prácticas más imagen comunes fue el dibujo copiado del natural, ya verídica o fuera de yesos o modelos vivos, que frecuentemente semejaban estatuas griegas. una Sin embargo, los artistas autodidactas solían idealización? escapar a esta norma, mostrando una visión menos idealizada de las cosas. En este magnífico retrato del guanajuatense Hermenegildo Bustos observamos un afán verista, a través del cual nos muestra la severidad del carácter de su modelo. Este pintor también se interesó por dejar un registro pormenorizado de algunos sucesos de su tiempo, como por ejemplo la fugaz aparición de un cometa. Observa la mirada y la boca apretada, el libro de oración y las joyas que adornan a esta mujer. Hermenegildo Bustos,Señora con mantón, México,1861. Óleo sobre tela, 65.5 x 49.5 cm. Museo Regional de Guanajuato, INAH.

Slide 25: La síntesis del cuerpo La síntesis de las formas es un recurso empleado por los creadores de imágenes desde la más remota antigüedad. Así, en las pinturas del Paleolítico observamos ya representaciones abstractas del cuerpo humano, en las que se han conservado sólo los rasgos esenciales. Los artistas modernos también han explorado de infinitas maneras este tipo de Pintura rupestre de Tassili, Neolítico Argelia. representación, a fin de otorgar un carácter simbólico y expresivo a su obra. Francisco Toledo, Hombre con cabra (detalle), 1976. Gouache sobre papel. 56 x 75 cm Col. Andrés Blainstein

Slide 26: Fernando Botero, Melancolía, 1989. Óleo sobre tela. 193 x 130 cm. Colección del artista. Deformación Otro de los recursos de la representación no realista es la deformación, que ha sido ampliamente utilizada por pintores como Picasso, Matisse y Bacon, entre muchos otros. Francis Bacon solía representar la figura humana de modo singular, como si ésta hubiera sido producto de las más rigurosas deformaciones. Su propósito no era narrativo, sino más bien constituía un testimonio personal del diagnóstico que el artista hacía de la realidad. En el otro extremo, las imágenes del colombiano Fernando Botero están pobladas de figuras rechonchas e inexpresivas, que parecen sacadas de una historia. Francis Bacon, Autorretrato, 1971. Óleo sobre tela. 35,5 x 30,5 cm. Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou, París

Slide 27: En esta página te mostramos tres ejemplos de los variados caminos en que se ha adentrado el no realismo durante el siglo XX. Ernst Ludwig Kirchner, Chica del gato, Fränzi, Alemania 1910-1920. Horst Antes, Figura azul, san Francisco Óleo sobre tela. 88.5 x 119 cm. Col. Ahlers de Asís, 1961-1964. Óleo sobre tela, 100 x 80 cm. Col. Privada Ernst Ludwig Kirchner fue miembro del grupo El Puente (Die Brücke), precursor del expresionismo alemán. Su lenguaje plástico se basa en el uso de matices intensos y contratados, que aplicaba en grandes manchas uniformes. En esta inquietante obra observamos cómo el artista ha simplificado las formas del cuerpo desnudo, que aparece rígido y estático, como si se tratara de una figurilla. La pintura de Francis Picabia pertenece al movimiento dadaísta de inicios del siglo XX, que se proponía acabar con las nociones que hasta entonces existían del arte y la cultura. La obra es de su etapa conocida como “época de los monstruos” en la cual las figuras aparecen con rasgos extraños o deformes. Para los dadaístas el gesto y la provocación de sus acciones eran más importantes que el objeto en si mismo. Finalmente, observamos a uno de los “cefalópodos” de Horst Antes, extrañas figuras imaginarias con cabeza y extremidades, que portan como vestigios de una posible humanidad. Francis Picabia, Retrato dada de Germaine Everling, 1920. Collage, 61 x 43 cm. Museo Nacional de Arte, Centro Georges Pompidou.

Slide 28: Aquí presentamos dos visiones radicales del cuerpo. Por un lado, la pintora modernista Tarsila do Amaral hace su propia interpretación, deformando la anatomía de modo que las extremidades adquieren proporciones gigantescas y la cabeza queda reducida a una mínima expresión. El título de la obra hace alusión a un movimiento de la cultura brasileña de inicios del siglo XX que pretendía “devorar” la influencia artística europea para fundirla con temas locales. Por otro lado, el norteamericano Willem de Kooning intentaba disolver las fronteras entre la abstracción y la figuración en su obra. En la serie de pinturas de mujeres nos presenta una imagen monstruosa y poco común del cuerpo femenino. Willem de Kooning, Mujer I Estados Unidos, 1950-1952. Óleo sobre tela. 192.7 x 147.3 cm. Museo de Arte Moderno. Nueva York Tarsila do Amaral, Antropofagia, Brasil, 1929. Óleo sobre tela. 126 X 142cm Colección privada.

Slide 29: Desnudo Jean August Dominique Ingres, La bañista de Valpinçon, Francia, 1808. Óleo sobre tela. 146 x 97.5 cm. Museo de Louvre, Paris Volver

Slide 30: El tema del desnudo en la pintura surgió en la Grecia clásica como una manifestación de la idea de unión del cuerpo con el alma. Para los griegos la representación del cuerpo desnudo constituía una manifestación de la belleza y comunión de los dos componentes del ser humano. Posteriormente, el mundo cristiano trajo consigo una visión del cuerpo que se oponía a la del alma. Así, la desnudez se relacionó con la idea de pecado, adquiriendo una connotación vergonzosa. Con el humanismo renacentista resurgió el interés por el desnudo, mismo que se ha mantenido con mayor o menor intensidad hasta el presente. Pintura mural Fuerte Sigiriya, s. V. Fresco. Sri Lanka Friso de los misterios dionisíacos (detalle), s. I a.C. Fresco. Pompeya, Italia. La representación del cuerpo humano desnudo aparece en casi todas las culturas, algunas le dan relevancia y otras prefieren evitarlo.

Slide 31: Tiziano Vecellio, Venus de Urbino, 1538. Óleo sobre tela, 119 x165 cm. Galeria Uffizi, Florencia En el Renacimiento el desnudo femenino tenía un sentido principalmente alegórico, ya que su representación pictórica se situaba en el marco de escenas mitológicas, A su vez, los artistas contemporáneos han especialmente en las que aparecía Venus generado sus propias interpretaciones del diosa del amor. No fue hasta el siglo XVIII desnudo. En esta obra, Francesco Clemente que los pintores comenzaron a representar retoma algunos elementos de la tradición, desnudos al margen de cualquier asociación pero les da un tratamiento distinto. Para el con la mitología. artista, las diferencias entre son herederos Los desnudos de Modigliani los seres Édouard Manet, Olympia, 1863. Óleo sobre tela, 103.5 humanos y los del desnudo recostado No la tradición animales no son tan claras de obstante que en la Antigüedad x 190 cm. Museo d’Orsay, París iniciada en elpensarse. Al representar a de predominaban las representaciones del una como podría Renacimiento, pero también mujer en cuatro patas con la piel moteada desnudo masculino, una nueva concienciade las transformaciones introducidas por Manet. leopardo la a otra mujer recostada con hizo desnudos parecen presentar un la piel Sus que y imagen de la mujer desnuda de animal a rayas, parece cuestionar la de la ocultamiento intencional de la Gran parte adquiriera mayor importancia. identidad de las imágenes con este tema fueron creadas la modelo, entre cuerpo e identidad, y subraya relación convirtiéndose así en símbolos importancia de fecundidad y seducción. para una clientelapiel como símbolo y marca. universales de la conformada por hombres, adquiriendo una fuerte connotación erótica. La mujer desnuda se pintaba para1919. Óleo Amedeo Modigliani, Desnudo reclinado, sobre tela. 72.4 x 116.5 cm. Museo de Arte Moderno, ser mirada por hombres. Nueva York Así, la mujer desnuda suele aparecer en un La mayor parte de los desnudos femeninos estadoinicios del siglo dormida oMatisse En los pasivo, ya sea XX Henri despierta, mostraban cierta idealización de la modelo, pero siempre dispuestade la contemplación. inventó nuevas formas a representar el pero en el siglo XIX Eduard Manet revolucionó De igual modo, la mirada esquiva,el uso del desnudo al colocar una mujer en sensual o el génerofemenino. La libertad de rostro desafiante es un factor claveque entender color así como de las líneas para plenamente individualizado y mirada su sentido. Tal vez por ello el desnudo la caracterizan sus figuras, rompieron conde la desafiante, situándola en un escenario Henri Matisse, Desnudo rosa, 1935. Óleo sobre tela. recostado ha sido preferido ampliamente por tradición académica naturalista que se vida real. 66 x 92.7 cm. Museo de Arte de Baltimore autoreshasta entoncesvenus realizadas por seguía y público. Las y le dieron un el artistas italiano Tiziano Vecellio forjaron un carácter mas bien abstracto y decorativo. estereotipo de la mujer sensual. Aunque algunos críticos han interpretado la colocación de la mano sobre el sexo de la Venus de Urbino como un acto de timidez, parece que en su época era visto como un gesto provocador. Francesco Clemente, Piel, 1996. Óleo sobre tela. 121.9 x 152.4 cm. Colección particular

Slide 32: A principios del siglo XX, Pablo Picasso revolucionó la representación del cuerpo femenino con su obra, Las Señoritas de Avignon. El tratamiento violento de las figuras, que muestran ya los planteamientos del cubismo, puso en entredicho la creencia generalizada de que el desnudo debía proporcionar placer al espectador. En época más reciente Lucian Freud ha destacado por su manera extremadamente táctil de plasmar la carne. A sus desnudos les llama “retratos desnudos” pues se ocupan tanto de la carne como de la psicología del modelo. Lucian Freud, Muchacha embarazada, 1960-61. Óleo sobre tela. 91,5 x 71 cm. Col. Jacqueline and Gilbert de Botton, Suiza Pablo Picasso, Las señoritas de Avignon, 1907. Óleo sobre tela.243.9 x 223.7 cm. Museo de Arte Moderno, Nueva York

Slide 33: Miguel Ángel Buonarroti, Desnudo,1509.Fresco El desnudo masculino se realizó con Capilla Sixtina, Vaticano frecuencia a partir de la copia del natural, aunque no por ello los artistas dejaban de Al hombre desnudo perfeccionar sus modelos en función del tradicionalmente se ideal de belleza vigente. le representó como a A diferencia de la imagen femenina, el un héroe. desnudo masculino no implicaba una connotación sexual. Por lo general se le representaba realizando una acción y asociado a figuras enérgicas, más bien heroicas, como son las realizadas por Miguel Ángel. A fines del siglo XIX Cézanne empieza a cuestionar este prototipo, mostrándonos en su obras a hombres lánguidos que están muy lejos de mostrar fuerza o valentía. Sin embargo, sólo hasta pleno siglo XX algunos autores se atrevieron a representar imágenes de hombres indefensos. Paul Cézanne, El bañista, ca. 1885. Óleo sobre tela. 127 x 96.8. Museo de Arte Moderno, Nueva York

Slide 34: Edward Weston, Desnudo, 1936. Plata sobre gelatina. Las infinitas posibilidades de representación del cuerpo humano como materia expresiva también han sido exploradas por los fotógrafos, casi desde la invención de este medio. Manuel Álvarez Bravo, La buena fama durmiendo, 1939. Plata sobre gelatina

Slide 35: El cuerpo como motivo Volver

Slide 36: Marc Chagall, El Cumpleaños, 1915, Óleo sobre cartón. 80.6 x El amor, ya sea filial, 99.7 cm. Museo de Arte Moderno, Nueva York amistoso o de pareja ha sido un motivo, importante en la representación de distintas culturas y Amor épocas. En estas tres imágenes el amor se muestra a través de los gestos. El japonés Suzuki Harunobu estampó una pareja paseando tranquilamente bajo una sombrilla. En la obra no representó figuras individuales sino una imagen idílica. El retrato de Rubens con su primera esposa celebra la felicidad doméstica, como lo muestra el cariñoso gesto de las manos. Su vestimenta hace ostentación de las pretensiones del artista, cuya carrera comenzaba a ser exitosa. Marc Chagall pintó con frecuencia la imagen de su esposa y la cariñosa relación entre ambos, el beso de la pareja y el ramo de flores van relacionados con el tema de la obra, un cumpleaños. Suzuki Harunobu, Dos amantes caminando juntos bajo una Peter Paul Rubens, El artista y su primera esposa, Isabela sombrilla en una tormenta de nieve, Japón, ca. 1769 Grabado Brandt, 1609-1610, Óleo sobre tela. 178 x 136.5 cm Antigua en madera impreso sobre papel. 28.6 x 20.6 cm. Museo Pinacoteca, Münich Metropolitano, Nueva York

Slide 37: La representación de la sexualidad en la pintura fue poco frecuente en el arte occidental hasta antes del siglo XVIII. Por el contrario, el arte persa e hindú clásicos otorgaron un papel importante a la sexualidad, pues ésta era parte de la religión. Las escenas sexuales como las de Krishna y su amada Rhada eran comunes, aunque no tienen el propósito de provocar Krishna y Radha en una enramada, India ca. 1775-1780. Egon Schiele, El Abrazo, 1917 . Óleo sobre tela. al espectador, sino de evocar un acto de Acuarela y oro sobre papel. 17.5 x 27.2 cm. Museo de Arte 100 x 170.2 cm. Galería Austriaca, Viena amor divino. de la Universidad de Harvard, Cambridge Esta imagen de dos amantes persas reproduce una escena cortesana. Fue hecha por un artista cuya línea caligráfica sintetiza magistralmente el vínculo entre las figuras. El abrazo de Egon Schiele reproducido aquí, explora como muchas de sus obras, la polaridad entre el amor y la soledad. Safavid Riza Abbasi, Dos Amantes, Iran, 1630. Temple y pintura dorada sobre papel. 18.1 x 11.9 cm. Museo Metropolitano, Nueva York Erotismo

Slide 38: Identidad Otro de los temas que se relacionan con la imagen del cuerpo humano es la identidad, explorada ya sea a través del autorretrato, de la recreación de escenas biográficas o del Frida Kahlo, Las Dos Fridas, 1939. Óleo sobre tela. 173.5 x 173 cm. cuestionamiento de los paradigmas sociales Museo de Arte Moderno, Ciudad México entorno al sentido de pertenencia. Estas y otras estrategias que han utilizado los artistas visuales adquieren no sólo una dimensión estética sino también política, pues examinan Cindy Sherman, Sin título #92,1981. Fotografía las ideas que se han construido en torno a los conceptos de individuo y comunidad. Frida Kahlo desarrolló ampliamente la exploración de la autobiografía, tomando como eje la experiencia del dolor. Cindy Sherman recurre al disfraz y a la fabricación de situaciones artificiales mediante las cuales realiza una investigación en torno a los estereotipos, motor principal de sus fotografías. Nan Goldin ha desarrollado su obra en el Nan Goldin, Nan un mes después ser golpeada, 1984. Fotografía sobre papel, 69.5 x 101.5 cm. Galería Tate, Londres ámbito de la fotografía documental. Su preocupación se centra en grupos que utilizan el disfraz como medio de búsqueda de la identidad. Mónica Castillo tiene en el autorretrato su tema principal . Ella explora la identidad física a través del uso de pinturas y fotografías, Mónica Castillo, Autorretrato y Foto, 1995. Fotografía y Óleo sobre tela. 15 x 30 cm. Col. particular cuestionando, a su vez, el estatus de la imagen verista. Yasumasa Morimura deconstruye el concepto de personalidad al retratarse en el contexto de las grandes obras del arte y usurpar la identidad de iconos de la cultura pop. Con una intención lúdica, construye escenografías Yasumasa Morimura, Retrato (Futago), 1988-1990. Cibacrome, 266 x 366 cm. Galería Luhring Augustine, Nueva York engañosas, al interior de las cuales se fotografía a sí mismo disfrazado.

Slide 39: Identidad Las fotografías y videos de la holandesa Rineke Dijskra cuestionan y exponen los gestos de identidad en seres en circunstancias de transformación. En gran parte de su obra retrata a personas que se hallan en proceso de cambio, como los adolescentes, y a quienes se encuentran sujetos a distintas convenciones sociales. Aquí se presenta la serie Olivier que muestra la metamorfosis progresiva de un joven, desde el momento en que se alista al ejército. En su retrato más antiguo tiene 17 años, en el más reciente 20. En éste ya ostenta los gestos externos de la profesión elegida. El personaje ha adoptado voluntariamente una identidad colectiva que le proporciona una autoridad que va apareciendo poco a poco en su rostro. Rineke Dijkstra muestra en este caso la tensión entre los valores individuales y los de la comunidad, entre la identidad y la uniformidad.

Slide 40: Edad l Kitagawa Utamaro, Madre con niño Édouard Manet, Las burbujas de jabón, David Hockney, Mi Madre, Bolton Domenico Ghirlandaio, Un hombre viejo y su durmiendo, Japón ca 1790, Grabado en 1867. Óleo sobre tela. 100.5 x 81.4 cm. Abbey, Yorkshire nov. 82#4, 1982. En la historia 36.5 las imágenes del cuerpo las madera impreso. de x 24.4 cm. Museo Museo Calouste Gulbenkian, Lisboa. nieto, c.1490, Temple sobre tabla. 62 x 46 Collage fotográfico. 120.7 x 69.9 cm. Museo del Louvre, París edades del Nueva Yorkhan sido un aspecto Metropolitano, hombre cm. Col. David Hockney fundamental desarrollado en todos los tiempos y culturas. Estas imágenes frecuentemente se relacionan con la preocupación por la fugacidad de la vida, pero también sirven de pretexto para mostrar acciones cotidianas, como el arrullo de la madre o el juego de las burbujas de jabón. Pero la burbuja de jabón simboliza también lo efímero de la existencia. El retrato fotográfico de la madre Edad de David Hockney, tomado en un cementerio ruinoso, parece insinuar lo mismo. Por su parte la obra de Ghirlandaio presenta los extremos de la vida.

Slide 41: Martha Pacheco, Sin título, 1996. Óleo sobre tela. 70 x 100 cm. Col particular Zoran Music, No so,os los últimos, 1970. Óleo sobre tela 65 x 81 cm, Tate Gallery, Londres. Muerte El fin de la existencia corporal es un tema inquietante que no ha pasado desapercibido entre las elaboraciones de imágenes del cuerpo. A veces ha sido tratado de manera directa, como en la pintura de Martha Pacheco de una mujer en la morgue, y otras se ha hecho de manera simbólica. A partir de las guerras mundiales el tema ha sido abordado con una intensidad inusitada. Algunos artistas como Zoran Music reflejan en sus pinturas la experiencia devastadora de los campos de concentración.

Slide 42: El Body Art es una forma de arte en la que el cuerpo es el elemento principal. Yves Klein, ANT 82 (Antropometría de la época azul), Pigmento y resina sintética sobre papel y tela. 156.5 x282.5 cm. Museo de Yves Klein, ANT 63 (Antropometría), 1961. Pigmento y resina Arte Moderno, Centro Georges Pompidou, París sintética sobre papel sobre tela. 153 x 209 cm. Col. Privada En el Body Art no se trata simplemente de la representar el cuerpo, sino de convertirlo en una herramienta de producción artística. Uno de sus precursores fue Yves Klein, quien en los años 60 del siglo XX realizaba performance con modelos pintadas que dejaban las huellas de su cuerpo sobre superficies que posteriormente se convertían en obras plásticas.

Oil Painting Lesson 4 with Michael Thompson

2008-03-02T21:28:00.002-08:00

Oil Painting Lesson 3 with Michael Thompson

2008-03-02T21:28:00.001-08:00

Oil Painting lesson 2 with Michael Thompson

2008-03-02T21:26:00.000-08:00

Oil Painting lesson 1 With Michael Thompson

2008-03-02T21:25:00.001-08:00

Tutorial Pintar Paisaje Con Espátula 02

2008-03-02T21:10:00.001-08:00

Tutorial Pintando Paisajes Con Espátula Parte 01

2008-03-02T20:23:00.000-08:00

Abstraccionismo

2008-02-07T21:17:00.000-08:00

Similaridad vs. Significado

Cerca del año de 1917 el artista Theo van Doesburg pintó este cuadro (óleo sobre tela) y lo tituló Composición; actualmente pertenece al Museo de Arte Moderno de Nueva York. Composición es una obra que se ubica dentro de la corriente artística del abstraccionismo, que se manifestó a partir de la segunda década del siglo XX en Europa, especialmente en Alemania, Austria, Holanda y Rusia.

¿Qué ves en esta obra? ¿Cuál te parece que sería su significado? ¿por qué crees que se inscribe dentro de la corriente del abstraccionismo pictórico?

Generalmente nos referimos a las obras como “abstractas” cuando no encontramos ninguna relación de similaridad con la realidad visible. Es decir que se puede nombrar una obra como “abstracta” porque “no se parece a nada” y, por lo tanto, el motivo o tema de la obra es difícil de identificar.

Para mostrar el significado de su cuadro Composición, Theo van Doesburg realizó el siguiente diagrama del proceso artístico que siguió:

Según plantea este esquema, van Doesburg vio una vaca y la interpretó pictóricamente a partir de formas geométricas que si bien no retratan a una vaca, de algún modo refieren al animal (podemos identificar las patas, el cuello y la cabeza). Sin embargo, el segundo y tercer cuadro que realizó van Doesburg está aún más lejos de una vaca como se ve en el mundo, porque el artista hizo estas obra a partir de su propia interpretación del animal (primer cuadro) y dejó de basarse en la vaca misma. La cuarta obra pictórica de esta serie es el cuadro Composición, donde no hay ninguna referencia a una vaca. Cuando viste esta obra al inicio del texto, ¿encontraste una vaca?

¿Qué es lo que nos quiso decir Theo van Doesburg mostrándonos la secuencia creativa que siguió desde que vio la vaca hasta que pintó Composición? ¿Porqué crees que decidió eliminar en sus obras toda “similaridad” con una vaca?

Significado del Arte Abstracto

Aparentemente, el esquema de van Doesburg explicaría que podemos conocer el significado de su pintura si logramos ubicar el objeto o motivo de la realidad (en este caso la vaca) del cual partió el artista para construir su obra. El proceso de la abstracción implicaría la secuencia de transformaciones que las intenciones del artista ejercen sobre la imagen “original” y el resultado “abstracto” de la composición. Pero qué pasa si sólo vemos el resultado final de la serie de cambios de la imagen: ¿veríamos una vaca?, ¿encontraríamos significado en la obra? ¿Será que van Doesburg elaboró su esquema de realización del cuadro Composición precisamente para demostrar que no es necesario que el espectador sepa cuál es referente “real” de su pintura para que encuentre en ella significado, o bien que la aprecie como obra de arte?

El ojo inocente
Mark Tansey

Estamos acostumbrados a relacionar las imágenes artísticas con el mundo visible, a pensar si corresponden o no con la apariencia de las cosas y a leer intenciones en las similaridades y diferencias. El arte abstracto confrontó al espectador con esta manera tan limitada del concebir al fenómeno artístico.

Para los artistas afiliados al abstraccionismo, es completamente innecesario que la apreciación artística dependa de que el público sepa o busque “a qué se parece” su obra. Desde su perspectiva, el significado del arte abstracto depende más bien de las relaciones internas de la obra misma, atendiendo a las diferencias entre formas, colores, textura, composición, etcétera. Es decir en la sintaxis plástica. En una obra abstracta, como en toda obra de arte, todos sus elementos plásticos son expresivos: el ritmo compositivo, la combinación de colores, la intención gráfica, la relación de las formas, la densidad plástica, etcétera.

Asimismo, como con toda obra de arte, podemos aproximarnos al significado histórico y conceptual de una obra de arte abstracto sólo si nos “apropiamos” de ella a través del conocimiento: ¿quién la hizo?, ¿cuáles eran sus ideas artísticas?, ¿cuándo realizó esta obra?, ¿cuál fue su intención al realizarla? En otro sentido, el goce estético o intelectual no depende necesariamente de que sepamos “a qué se refiere” o “a qué se parece” una obra abstracta.

La Abstracción En El Arte

El proceso del abstraccionismo pictórico subraya aquellos aspectos que pensamos como “lo formal” (color, composición, formas, etcétera.) Sin embargo, esta actitud no es nueva en el arte puesto que en las artes plásticas siempre se ha hecho abstracción. El término abstracción se define como el proceso intelectual por el cual se han separado y destacado ciertos aspectos o propiedades de un objeto, como medio para explicarlo o entenderlo mejor. Es decir, la abstracción simplifica una realidad compleja.

Kandinsky
Primera acuarela abstracta
1912

Todo el arte de la historia ha sido posible gracias a la abstracción de una realidad compleja. Hay ejemplos muy evidentes de esto: los pictogramas de la caligrafía china antigua, el arte islámico, el arte prehispánico, toda la historia del diseño y las artes menores, el arte africano, etcétera. Dentro del ámbito europeo moderno, los artistas simbolistas (1880-90) creían que las formas en la pintura deben ser significativas; no en virtud de su correspondencia con el mundo, sino según el lugar y función que cumplen dentro de la composición. El artista Paul Gaugin (1848-1903) decía que los objetos de una pintura no tienen significado como objetos en sí mismos, sino sólo en virtud de las relaciones que pueden establecerse entre ellos. El problema que hizo evidente el arte abstracto es el de la naturaleza del lenguaje artístico y éste es un problema que tiene que resolverse en cada obra artística, de cualquier periodo de la historia del arte. ¿Cómo deben “leerse” las obras de arte?

Toda obra de arte, abstracta o no, tiene un significado. En el arte las formas no son como palabras ni corresponden literalmente a una imagen “real”. Se puede representar una preocupación emocional o intelectual. La tendencia abstracta en el arte moderno creía que una realidad más pura, alta, profunda, universal, se puede develar “quitando” lo que no es esencial en las cosas del mundo. El arte abstracto se asoció con la intención de “ver más allá” de la realidad. Pero lo abstracto no se debe relacionar necesariamente con esta visión esencialista.

El Abstraccionismo ¿Una revolución en las artes plásticas?

¿Puede decirse que el abstraccionismo es una corriente artística revolucionaria? Sí y no. Ya vimos que toda expresión artística, desde la prehistoria, ha sido posible gracias a la capacidad de abstracción del ser humano. Desde esta perspectiva, podemos afirmar que el arte abstracto del siglo XX no inventó un nuevo lenguaje para comunicar el impulso estético de la humanidad. Sin embargo, los abstraccionistas revolucionaron el campo del arte cuando se desligaron conscientemente del mundo visible y propusieron como tema de sus obras una realidad más allá de las apariencias: tan válida, expresiva y significativa como la que había inspirado al ser humano desde los tiempos más remotos.

Fuente:

-Harrison, Charles: “Abstractioin, figuration and representation” en Primitivism, Cubism, Abstraction. The Early Twentieth Century, New Haven y Londres, Yale University Press, 1993.

Cómo hacer un mosaico artístico paso a paso

2008-02-01T12:52:00.000-08:00

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La Abstracción Geométrica

2008-01-13T21:51:00.000-08:00

Abstracción Geométrica

Historia:

Las investigaciones geométricas, asociadas al rigor matemático y a la simplificación de la forma, orientan una significativa parte del arte abstracto del siglo XX. Las primeras realizaciones de esa vertiente del arte abstracto remontan a las vanguardias europeas de las décadas de 1910 y 1920: el constructivismo ruso, la experiencia de la Bauhaus, el suprematismo de Kazimir Malevich (1878 - 1935) y el neoplasticismo de Piet Mondrian (1872 - 1944) y Theo van Doesburg (1883 - 1931).

La ideología libertaria que orienta las vanguardias en general adquiere aspectos particulares en Rusia, con la revolución de 1917. La sociedad proyectada en el contexto revolucionario moviliza a los artistas en torno a producciones concretas para el pueblo. La pintura y la escultura están pensadas como construcciones - no como representaciones -, cercanas a la arquitectura en términos de materiales, procedimientos y objetivos. El constructivismo, 1913, acerca los relieves tridimensionales de Vladimir Evgrafovic Tatlin (1885 - 1953), la obra de Alexander Rodchenko (1891 - 1956) y los trabajos de los hermanos Antoine Pevsner (1886 - 1962) y Naum Gabo (1890 - 1977), signatarios del Manifestó Realista [Manifiesto Realista] de 1920, que bajo la influencia de Malevich defienden un arte libre de finalidades prácticas y comprometido con la pura visualidad plástica. El suprematismo, fundado en 1915 por Malevich, rompe con la idea de imitación de la naturaleza, las formas ilusionistas, la luz y color naturalistas, y las referencias al mundo objetivo. Se trata de investigar la estructura de la imagen con la ayuda de formas geométricas básicas - cuadrado, rectángulo, círculo, cruz y triángulo - y de una pequeña gama de colores. Refiérase, entre otros, a Quadrado Preto Suprematista [Cuadrado Negro Suprematista] (1914/1915) y Quadrado Branco sobre Fundo Branco [Cuadrado Blanco sobre Fondo Blanco] (1918).

Las investigaciones geométricas conocen otra inflexión de la nueva plástica en la pintura sistematizada por los holandeses Piet Mondrian y Theo van Doesburg en las páginas de la revista De Stijl [El Estilo], 1917. Esa plasticidad rechaza la idea de arte como representación, extinguiendo el espacio pictórico tridimensional. Además, rechaza la línea curva, el modelado y las texturas, y prescinde de los detalles y de la variedad de la naturaleza, buscando el principio universal bajo la apariencia del mundo. Menos que expresar las cosas naturales, el nuevo arte anhela, según Mondrian, la expresión pura de la relación, según se observa en las composiciones del artista construidas con mínimos elementos: la línea recta, el rectángulo y los colores primarios - azul, rojo y amarillo - además del negro, blanco y gris.

La Bauhaus, fundada en 1919 por Walter Adolf Gropius (1883 - 1969), atrae a artistas de distintas procedencias: Van Doesburg, Wassily Kandinsky (1866 - 1914), Paul Klee (1879 - 1940), László Moholy-Nagy (1894 - 1946) y otros. Pese a las orientaciones de la escuela, los planteamientos característicos de la Bauhaus - tendencias constructivistas seguidas con un máximo de economía y atención a las especificidades de los materiales - permiten observar las afinidades con el constructivismo ruso y con el grupo de artistas holandeses vinculados a De Stijl. En Inglaterra, la abstracción geométrica tiene lugar en la estela de las investigaciones constructivistas llevadas a cabo por el grupo Circle, en la década de 1930, en obras como las del pintor Ben Nicholson (1894 - 1982). El grupo proyecta contornos sobre la base del diálogo con la nueva plasticidad de Mondrian, las investigaciones de Malevich y el constructivismo ruso de N. Gabo, integrante del Circle. En ese periodo, la escena francesa conoce el desarrollo del arte abstracto geométrico en trabajos de artistas vinculados al Cercle et carré [Círculo y cuadrado], como Joaquín Torres-García (1874 - 1949). El énfasis en las investigaciones geométricas se mantienen en el Abstraction-Création [Abstracción-creación], grupo que sucede el Cercle et Carré, en 1931.

El periodo que sucede la Segunda Guerra Mundial (1939-1945) es tomado por despliegues del arte abstracto, en Europa y en los Estados Unidos, que dialogan críticamente con las vanguardias anteriores. Las orientaciones geométricas conviven con otras, muchas veces en la obra de un solo artista, lo que dificulta las clasificaciones rígidas. Es posible, por ejemplo, ubicar tendencias geométricas en obras de Barnett Newman (1905 - 1970) y Mark Rothko (1903 - 1970) - frecuentemente descritas como colour field paiting [pintura de campo de color] -, si bien ellos rechazan el título de abstracción geométrica y se apartan de las premisas geométricas de Mondrian. Dice Newman: "Sólo un arte de no geometría puede ser un nuevo comienzo". De la misma manera, el uso de principios geométricos por Frank Stella (1936) o Kenneth Noland (1924) - reunidos bajo el término pintura hard-edge [rincón duro], debido a los contornos marcados de los lienzos -, no deben conducir a que se los encapsule en el título. A su vez, en el minimalismo de los años 60 y 70 es posible verificar un énfasis geométrico en obras de Donald Judd (1928), Ronald Bladen (1918 - 1988) y Tony Smith (1912 - 1980), lo que no es válido para el minimalismo como una totalidad.

Teoría del Color

2007-11-12T19:33:00.000-08:00

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Alegorías y Atributos en las Artes Visuales

2007-11-12T19:10:00.000-08:00

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"La última cena" de Leonardo Da Vinci online en alta definición

2007-10-27T09:58:00.000-07:00

Usted no necesita ir a Milán a ver "La última cena", la obra maestra de Leonardo Da Vinci. Lo único que necesita es una conexión con la internet.

Desde el sábado, las autoridades colocaron en la internet una imagen de "La última cena" de 16.000 millones de pixeles, 1.600 veces más nítida que las imágenes tomadas con una cámara digital de 10 millones de pixeles.

La alta resolución permitirá a los expertos examinar los detalles de la pintura del siglo XV que de otra manera no podrían ver, incluyendo esbozos que realizó Leonardo Da Vinci antes de pintar el cuadro.

Hace posible también que las personas puedan ver los detalles como si estuvieran a unos pocos centímetros de la obra artística, a diferencia de las fotografías comunes, que suelen perder su nitidez cuando el ojo humano se acerca a ellas, expresó el curador Alberto Artioli.

"Es posible ver cómo Leonardo hizo transparentes las copas, algo que no se ve de otra manera", manifestó Artioli. "También es posible notar el estado de degradación de la pintura".

Además de permitirle a los expertos y amantes del arte estudiar la pintura desde sus casas, Artioli manifestó que el proyecto ofrece un documento histórico de cómo luce la pintura en el 2007, que será valioso para futuras generaciones de historiadores de arte.

El trabajo, en la Iglesia de Santa María de la Gracia de Milán, fue restaurado y el proyecto para revertir los daños de medio milenio terminó en 1999.

Leonardo pintó "La última cena" en seco, así es que la pintura es más delicada.

En los últimos años se han implementado más medidas para proteger el cuadro, lo que ha dificultado las visitas. Un total de 25 personas pueden ingresar cada 15 minutos a ver la pintura, y en todo el año la cantidad asciende a 320.000 visitantes.

Los visitantes tienen además que pasar por un sistema de filtración para ayudar a reducir la exposición de la obra de arte al polvo y otros contaminantes.

"La demanda es tres o cuatro veces mayor, pero no podemos satisfacerla por los esfuerzos de preservar la pintura", dijo Artioli.

Visítala en:

http://www.haltadefinizione.com/en/

Imágenes y Símbolos

2007-10-26T21:09:00.000-07:00

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Imágenes Realistas y No Realistas

2007-10-26T21:06:00.000-07:00

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Simbolismos en el altar del Día de Muertos.

2007-10-26T20:22:00.000-07:00

Simbolismos en el altar del Día de Muertos.

ORÍGENES DE LA FESTIVIDAD DEL DÍA DE MUERTOS: La muerte en la cultura mixteca, como en la mayoría de las culturas Mesoamericanas, no representa el final de la vida, sino el inicio del camino a una nueva forma de existir junto a los dioses. Más que el hecho de morir, importa más lo que sigue al morir. Y es ese otro mundo sobre el que hacemos representaciones, costumbres y tradiciones, pues ante el camino desconocido que la muerte nos señala, sólo es posible imaginarla con símbolos. Aunque consideraban que el ciclo de la vida culminaba con la muerte, consideraban también que esta última era sólo un paso más en la existencia, por ello debían realizar algunas ceremonias. Siendo la más importante la que es conocida actualmente como la Festividad del día de Muertos, la cual tiene un gran pasado prehispánico conjugado con la herencia española.

La ofrenda indígena se remonta hace unos mil 800 años antes de Cristo, pues sepultaban a sus muertos con ofrendas específicas. Más tarde, más o menos mil 500 años antes de cristo, los pueblos sepultaban los cadáveres acompañados con ricas ofrendas de cerámica, alimentos y utensilios personales. Los habitantes de mesoamérica creían que después de morir, continuarían viviendo en otro modo. Los muertos eran enterrados con toda case de objetos que pudieran serles útil en su viaje al Mictlán. La fiesta de muertos está vinculada con el calendario agrícola prehispánico, porque es la única fiesta que se celebraba cuando iniciaba la recolección o cosecha. Es decir, es el primer gran banquete después de la temporada de escasez de los meses anteriores y que se compartía hasta con los muertos. Así representaban la relación que creían existía entre el ciclo siembra-cosecha y vida-muerte. La existencia en el más allá decían, era de acuerdo con la forma de su fallecimiento, no a la conducta observada en vida, por lo tanto no se temía a castigos posteriores a la muerte.

DÍAS DE LA CELEBRACIÓN: 28 de octubre: Se recuerda a quienes perecieron violentamente o a los que murieron al nacer, conocidos como los “abrojos”. 31 de Octubre: Ponen los Altares para los niños y para los adultos en la tarde o en la noche, hay quienes a partir de las 12 del día. El 1º de Noviembre: El día de Todos los Santos. El Altar es más que nada para los angelitos que llegan desde las 8 a.m. (Oaxaca) o a partir de las 12 del día (Edomex). Los cuetes despiden a los “abrojos” y dan la bienvenida a los angelitos. Que se van a las 8 p.m. (Oaxaca) El 2 de Noviembre: El día de Los Fieles Difuntos. Se reciben a los adultos, que llegan desde las 8 a.m. y se van a las 8 p.m. (Oaxaca). A esa hora ya pueden recoger el Altar y empezar a repartir la ofrenda. Se van los angelitos a las 12 del día y legan los adultos. (Edomex) El 3 de Noviembre: Otros recogen este día el Altar a las 12 del día, hora en que se van los adultos y hasta entonces hacen la repartición. (Edomex)

ORÍGENES EUROPEOS: Se celebra en la iglesia Católica el 1 de noviembre día de “Todos los Santos” y tiene por finalidad honrar a todos los moradores del cielo, a los santos canonizados y a los que no lo han sido todavía. Fue creada por el papa Gregorio IV y a partir del siglo IX comenzó a extenderse por toda Europa ya que antes sólo se celebraba en Roma, pero únicamente entre los religiosos de los distintos conventos. En su etapa primitiva, esta fiesta nació en las catacumbas de Roma, al honrar en una ceremonia general a los mártires cristianos que fueron sacrificados en tiempos del emperador Diocleciano.

Para los católicos, el 2 de noviembre es también una fecha de celebración, pues en ella se intercede por las almas de los difuntos. Fue instituida entre los siglos X y XI por San Odilón Abad, quien pertenecía al Monasterio de Cluny, quien ordenó que en todos los monasterios de su abadía se celebrara a los Fieles Difuntos. La celebración consistía en misas, limosnas y oraciones, pues los vivos podían ayudar a los muertos mediante plegarias.” Se establece esta instrucción a raíz de un incidente singular ocurrido en dicho monasterio. Según referencias de algunos cronistas de aquella época, uno de los religiosos del monasterio escuchó gritos de rabia lanzados por los demonios ante las oraciones de los religiosos mediante las cuales les eran arrancadas de las manos las almas de los difuntos que ellos atormentaban, por lo que, enterado de este hecho, San Odilón expidió un decreto en el que ordenaba a todos los monasterios de su jurisdicción, se estableciese el día 2 de Noviembre la conmemoración de todos los fieles difuntos, rezándose el oficio de muertos o celebrándose misas de réquiem para todos aquellos que habían muerto desde el principio del mundo.

La creencia de que las almas volvían a la tierra existió también en algunos pueblos de España: el día de su llegada, las personas no se acostaban para que las almas pudieran descansar en sus camas.

Con la llegada de los españoles, llega el cristianismo los altares u ofrendas tienden a incluir nuevos elementos como: Santos, Cristo, cruces y algunas frutas que no existían en América. Dos de las principales similitudes entre estas dos visiones fueron la creencia de la inmortalidad del alma y el culto a los muertos. Al igual que el hecho de ofrecer presentes, encender velas y quemar resinas aromáticas. Después de la conquista española se estableció en México el día de Todos Santos y de los Fieles Difuntos, por disposición del Papa Gregorio IV.

DESTINOS Y DIOSES

Primero: El Tlalocan o lugar de Tlaloc; considerado como el paraíso del dios de la lluvia estaba reservado para aquellos que morían en circunstancias o fenómenos relacionadas con el agua: los ahogados, los fulminado por el rayo, de lepra, pulmonía, resfríos, quienes morían accidentalmente, , los que se desbarrancaban, a los que les cayó una piedra, par rayo. El lugar era una suerte de paraíso terrenal donde les recibía Tláloc. En ese lugar pasaban la eternidad cazando mariposas, disfrutaban nadando y comiendo deliciosos frutos o jugando pelota. Ahí reinaba un verano eterno.

Segundo: Con Huitzilopochtli,el dios de la guerra llegaban sólo quienes morían en combate, los cautivos que eran sacrificados, las mujeres que morían al dar a luz y y los comerciantes que habían perecido en las expediciones mercantiles. Llegaban a la casa del sol. Ichan Tonatiuh Ilhuícatl (“el cielo que es la morada del Sol”). Morir peleando era para los aztecas la mejor muerte, una muerte deseada. Pues ella otorgaba la posibilidad de acompañar al sol en su diario nacimiento y trascender como pájaros.

El tercer destino de los muertos era: el Mictlán o lugar de los muertos, sitado en las profundidades de la tierra, reservado para los no clasificados o para quienes morían de muerte natural. Era habitado por dos dioses de la muerte: el señor Mictlantecuhtli y la señora Mictecacíhuatl. El camino de las almas destinadas al Mictlán era muy complejo, pues durante cuatro años debían transitar por distintos lugares enfrentando todo tipo de peligros y visicitudes antes de llegar al Chignahuamictlán, lugar donde descansaban o desparecían.

Esos lugares de paso al más allá eran: dos sierras que casi se juntan, una serpiente, una lagartija verde (algunos dicen que era un cocodrilo), ocho desiertos, ocho cerros, una zona de vientos helados que cortaban como navajas (por eso les quemaban sus ropas) y por último cruzaban el río Chignahuapan, con la ayuda del perrito con el que eran enterrados. Y así los afortunados que finalizaban con bien su travesía llegaban ante Mictlantecuhtli, a quien entregaban, a manera de ofrenda, manojos de teas y cañas de perfume, algodón, hilos colorados y mantas.

También para que sus almas pudieran llegar a su destino final y vencer las dificultades de su travesía les colocaban a los cadáveres diversos objetos, que les permitían vencer los obstáculos. De aquí viene de manera importante la concepción del Altar de Muertos como ofrenda actual. Durante ese largo viaje, podían detenerse en sus moradas terrenas solamente una vez al año, esa fecha caía a principios de noviembre. Para ayudar a que estas almas errantes recobraran fuerza y ánimos, los aztecas les preparaban un festín con la comida y la bebida que sus difuntos gustaban de tomar en vida.

Cuarto: Las almas de los niños pequeños muertos tenían un lugar especial, Chichihualco (la casa de la leche), donde había un bello y frondoso árbol, el Chichiuahuitl (árbol de leche) que como su nombre lo dice de sus ramas goteaba leche, con la cual se alimentaban. Los niños que llegaban aquí volverían a la tierra cuando se destruyese la raza que la habitaba o el quinto sol. Tenían la creencia que ellos sí reencarnaban. Así, una vez más, de la muerte se generaría la vida.

Para los nahuas “cada dios elegía a sus súbditos y los mataba con sus poderes específicos. Había otros dioses que mataban a los elegidos y los llevaban a sus propios reinos. Por ejemplo, la muerte en estado de ebriedad era señal de que Ometochtli (el principal de los dioses del pulque) había escogido a la víctima, y que el destino del muerto era el paraíso de los borrachos. Otro caso interesante es el de Tlazoltéolt, diosa que inspiraba el adulterio y se llevaba a quienes morían ajusticiados por dicho delito. También Tezcatlipoca los aguardaba.

ELEMENTOS DEL ALTAR DE MUERTOS Y SU SIGNIFICADO. Cada uno de los siguiente elementos encierra su propia historia, tradición, poesía y, más que nada, misticismo. Elementos imprescindibles para recibir a las ánimas en el Altar de Muertos así como su significado son:

El agua: Representa la fuente de la vida, se ofrece a las ánimas para que mitiguen o sacien su sed después de su largo recorrido y también para que se fortalezcan a su regreso. En algunas culturas simboliza la pureza del alma. Es la que da vida y energía para el camino. En algunos lugares acostumbran poner una jarra y un vaso, preferentemente de vidrio transparente para que se pueda apreciar el contenido. El agua natural aparece como ofrenda en distintas culturas del mundo desde tiempos remotos. Algunas personas creen que al verla el alma se moja los labios resecos por el largo viaje desde el más allá. La sal: Es un elemento de purificación, sirve para que el cuerpo no se corrompa, en su viaje de ida y vuelta para el siguiente año.

Velas y veladoras: Los antiguos mexicanos utilizaban rajas de ocote. En la actualidad se usa el cirio en sus diferentes formas: velas, veladoras o ceras. La flama que producen significa "la luz", la fe, la esperanza. Sirve como una guía, con su flama titilante para que las ánimas puedan ver mejor su camino, llegar a sus antiguos lugares y alumbrar el regreso a su morada. Se dice que el cirio representa el alma sola. También representan con sus llamas la ascensión del espíritu. Si los cirios o los candeleros son morados, es señal de duelo; y si se ponen cuatro de éstos en cruz, representan los cuatro puntos cardinales, de manera que el ánima pueda orientarse hasta encontrar su camino y su casa. En la antigüedad se decía que la luz servía para alumbrar el viaje que hará el difunto por el desierto que tendría que cruzar hasta llegar a su destino final. En lugares como en Xochimilco se acostumbra encender una vela por cada persona y se la llama por su nombre al prenderla. O se ponen tantas velas como son los infantes muertos que la familia aún recuerda.

Copal e incienso: El copal era ofrecido por los indígenas a sus dioses ya que el incienso aún no se conocía, este llegó con los españoles. Es el elemento que sublima la oración o alabanza. Una fragancia que es un signo de reverencia. Se dice que se utiliza para limpiar al lugar de los malos espíritus y así el alma pueda entrar a su casa sin ningún peligro. También que el humo de éste simboliza el paso de la vida a la muerte. Algunas personas aún utilizan incensarios o en su defecto pequeños anafres o braceros. Se sirven de cote en rajas y o carbón de madera para poner en ellos pedazos de copal y ensomar el lugar.

Las flores: Son la bienvenida para el alma, la flor blanca representa el cielo; la flor amarilla, la tierra y la morada el luto. Y el rojo de la "mano de león", "moco de pavo", o también llamado “gallito” o “cresta de gallo”, significa específicamente la expresión de la sangre de Cristo y la Resurrección, así como la vida humana y animal. Son un símbolo de festividad por sus colores y estelas aromáticas. Adornan y aromatizan el lugar durante la estancia del ánima, la cual al marcharse se cree se irá contenta. En algunos lugares el alhelí y la nube no pueden faltar pues su color significa pureza y ternura, y acompañan a las ánimas de los niños. Las flores de cempasuchil por lo general recuerdan el alma del difunto, ya que es la tradicional flor de muertos, su color es amarillo/o anaranjado se dice que representa la fuerza de la luz del sol y de la vida. Viene del náhuatl: cempoalxochitl que quiere decir “flor de 20 o más pétalos”, “veinte hojas” o "veinte flor”. Se dice que es efeméride de la muerte y que también simboliza la tristeza.

Caminos de pétalos: En muchos lugares del país se acostumbra poner caminos de pétalos, por lo general con flor de cempasúchil deshojada, desde la puerta de la entrada hasta el Altar que sirven para guiar al difunto del campo santo a la ofrenda y viceversa. Representa así el camino del color y olor que trazan las rutas a las ánimas, que por su color encendido como el sol sirve para iluminar y orientar el alma del muerto para que no se extravíe.

El pan: Es un símbolo que funge como un ofrecimiento fraternal. La iglesia lo presenta como el "Cuerpo de Cristo". Recuerda el alma del difunto y simboliza toda una tradición. Es un pan que se elabora en distintas regiones del país especialmente para esta Festividad. La pieza tiene forma redonda, para simbolizar una tumba; el núcleo, en la parte superior, representa la base del cráneo, los adornos laterales, los huesos de las extremidades; y es adornado con azúcar roja que simboliza la sangre. En algunos lugares como en Xochimilco es en forma de difunto y lleva un nombre. Para el Altar de los “difuntitos” se elabora un pan en piezas pequeñas y es el que se pone especialmente para ellos.

Retrato o fotografía del muerto/a: El de la persona a quien se dedica el tributo y cuya ánima nos visitará. Es un recordatorio de nuestros seres queridos. En algunos sitios se dice que éste debe quedar escondido y no a la vista, de manera que solo pueda verse con un espejo, para dar a entender que al ser querido se le puede ver pero ya no existe.

Imágenes religiosas: De santos de la devoción tanto del difunto como de la familia. Se colocan para que sirvan como medio de interrelación entre muertos y vivos, ya que en el altar son sinónimo de las buenas relaciones sociales. Además, simbolizan la paz en el hogar y la firme aceptación de compartir los alimentos.

El platillo o la comida favorito: La buena comida tiene por objeto deleitar al ánima que nos visita. Con estos alimentos se trata de agradar el difunto compartiendo los que más le gustaban y ser gratos a su buena voluntad. En el Altar está constantemente presente una estela de aromas, representando el banquete de la cocina en honor de los seres recordados. El mole con pollo, gallina o guajolote, es el platillo favorito que ponen en el altar muchos indígenas de todo el país. En algunos otros lugares acostumbran poner una o varias cazuelas con comida. Acompañándolas con un chiquihuite o tortillero. Los platillos varían de acuerdo a las regiones del país en donde se esté celebrando esta festividad.

Bebidas como el chocolate, el atole y el café: Son parte de las bebidas tradicionales que los vivos acostumbran tomar en esos días, especialmente el chocolate ya sea de agua o de leche; con lo cual se convida a los difuntos a deleitarse de estas bebidas y con mayor razón si en vida ellos también gozaban de su sabor. La tradición prehispánica dice que los invitados tomaban chocolate preparado con el agua que usaba el difunto para bañarse, de manera que los visitantes se impregnaban de la esencia del difunto.

Hoy en día son una dulce Las calaveras de dulce: tradición que sólo está presente en estas fechas, son consideradas una artesanía Son una costumbre indígena. tradicional mexicana. Se Ya los pueblos acostumbra poner en el Altar mesoamericanos tenían con el nombre del difunto o presente el símbolo de la difunta en la frente del cráneo calavera como un recordatorio escrito sobre un papelito de la muerte como parte del brillante y con azúcar glass. proceso de vivir y no Actualmente las hay de representaban en absoluto para amaranto y de chocolate ellos un símbolo que les también. Y las realizan en causara terror, sino más bien varios tamaños. reverencia y respeto.

Slde 29: El licor y los cigarros: Es para que las ánimas que en vida gustaron de las “bebidas espirituosas” y/o de los cigarrillos recuerde los grandes acontecimientos agradables durante su vida. Hacen la función de saciar la sed del muerto y darle también el gusto de tomarse un buen trago. Algunas personas acostumbran poner la botella del licor preferido, otras sirven una copita y así la dejan en el altar, dependiendo de la bebida que sea la acompañan con un salero, y con un platito con limón partido.

Papel picado: Es un adorno para el Altar que da colorido y representa la alegría de vivir. Muchos de sus diseños son artesanales y en ellos están estampados motivos relacionados con la muerte. Algunas personas las ponen como cortinas, carpetas o manteles para adornar las paredes cercanas al Altar y/o cubrir las mesas o los niveles del altar. Los colores usados en estos adornos tienen su significado: El color morado o rosa oscuro se usa en señal de duelo. El color morado es representativo del luto cristiano. Y el color naranja del luto azteca. El papel picado color negro en diseños geométricos es negro hace referencia, en la religión prehispánica al Tlilan, el lugar de la negrura, y al Mictlán, es decir el sitio de los muertos.

“Entierritos” o figuras con la forma de un esqueleto: Antiguamente eran mucho más conocidos los "entierritos" que eran representaciones de figuras humanas cuyas cabezas eran de garbanzos y con el traje de papel negro, simulando al difunto y a los padres trinitarios, que eran quienes se encargaban de llevar los cadáveres de la gente humilde al camposanto. Es muy encontrar representaciones con esqueletos en varias formas, son muy populares las que tienen una ambientación de acuerdo a diferentes profesiones y oficios; algunas son verdaderamente chuscas. Se representan en estas artesanías desde bebés hasta ancianos, todos “calacas”. Ambas artesanías acompañan el adorno del Altar y le dan un toque humorístico.

Las frutas naturales y las frutas en dulce: Son la ofrenda que nos brinda la naturaleza. Generalmente son frutas de la temporada que varían de acuerdo a las regiones. Son una manera de enriquecer el disfrute de las ánimas que vienen a saborear de los “olores” de las mismas. Porque se dice que es a través de los aromas que despiden tanto las frutas como la demás comida que ellas se alimentan. En algunas regiones como en el Istmo de Tehuantepec acostumbran colocar cuatro banderas de papel picado metidas en naranjas. Las naranjas o las frutas con banderas significan la libertad que la muerte da. Por otro lado cuando las frutas en conserva o en dulce tienen la función de endulzar el “paladar” de las ánimas y son un elemento para aumentar su disfrute.

Objetos personales del muerto/a: Algunas personas gustan de colocar aquellos objetos que fueron los favoritos o preferidos del difunto, los cuales, se cree que llevará a su viaje. Y dependiendo de su afición o del trabajo que desempeñó se ponen en la parte baja del Altar aquellas cosas queridas por ellos. En algunas lugares se acostumbra poner en el último nivel ropa limpia para recibir a las ánimas, para que se cambien y se quiten del polvo del camino, y se encuentren más cómodas durante su estancia entre sus familiares.

Niveles de la o las mesas para base del altar: Es muy común que el Altar se estructure en diversos niveles. Que por lo general son tres. Para su construcción se pueden utilizar mesas de diferentes tamaños o incluso tablas. En el nivel superior al centro del altar, es usual colocar una fotografía del difunto al que se dedica el Altar. En el nivel intermedio suele ponerse comida, golosinas y cosas que gustaban al muerto. En la parte inferior, además de leña, carbón, un brasero o Tres piedras empleadas como piragüas para formar un fogón, se coloca agua y una cruz de ceniza. Con la llegada de los españoles llega el cristianismo, por lo que los altares u ofrendas sufren algunos cambios como fuero colocar imágenes religiosas de santos, Cristo, cruces y también algunas frutas que no existían en América. Dentro de la doctrina cristiana los tres niveles del Altar representan a las tres divinas personas: Padre, Hijo y Espíritu santo. Cada nivel es cubierto con un mantel bordado o deshilado, papel de china, plástico y cubierto también por flores de muerto las cuales forman una alfombra sobre la que se va depositando toda la ofrenda.

Juguetes y dulces: En el altar de los “difuntitos” se acostumbra poner juguetes, que en algunos lugares aún son de barro; para que estas almitas tengan con que jugar y divertirse más durante el tiempo que van a acompañar a sus vivos.

Los arcos de caña: En algunos lugares de la República, como aquí en ciertas comunidades de Oaxaca el Altar es adornado principalmente por un arco de carrizo o de caña de azúcar cubierto con flores multicolores de cempazúchil; y el arco sostiene hilos de los que cuelgan mandarinas, naranjas, limas y plátanos. La cantidad de arcos varía de dos arcos a cuatro; a este conjunto suele llamársele portada o retablo. El arco habla del deseo, de quienes viven en la tierra, de unirse a los que ya habitan en el cielo, a los que ya no morirán otra vez.

“Si en todas partes estás, en el agua y en la tierra, en el aire que me encierra y en el incendio voraz; y si a todas partes vas conmigo en el pensamiento, en el soplo de mi aliento y en mi sangre confundida, ¿no serás, Muerte, en mi vida, agua, fuego, polvo y viento?” Xavier Villaurrutia, “Décima muerte”:

Efecto Manga

2007-10-25T21:17:00.000-07:00

Video tutorial de cómo convertir una simple fotografía en una de tipo Manga!!!
Genial!!!

Texto con efecto de comics

2007-10-25T21:14:00.000-07:00

Video Tutorial de cómo crear Texto con efecto de comic!!!

Crear imagenes abstractas en photoshop

2007-10-25T21:12:00.000-07:00

Con este sencillo videotutorial, lograremos como crear imagenes abstractas , veremos que la tecnica utilizada es muy sencilla, pero lograremos el efecto que deseamos.

Crea tus propios posters gigantes!!!

2007-10-25T20:30:00.000-07:00

Cargue una imagen de su computadora y escoja cuántas hojas de par en par
le gustaría que su afiche tuviera una vez impreso
Visita este sitio, es gratuito y podrás convertir tus fotos favoritas en posters para decorar tu cuarto o para algna exposición!!!!

http://www.blockposters.com/

Checa la galería para que veas lo que puedes hacer con esta útil herramienta!!!!

EXTRAER UNA IMAGEN EN PHOTOSHOP

2007-10-15T20:43:00.000-07:00

1. Abre una imagen. Que contenga un fondo

el cual vamos a eliminar.

2. Desde el menú Filtro de Photoshop, elige el comando "Extraer"

(también puedes usar el atajo de teclado Alt+Ctrl+X.

3. Aparece un cuadro de díalogo ofreciéndote una visualización

amplia de la imagen, muchas opciones y una paleta de

herramientas (en la parte superior izquierda).

4. En la paleta herramientas, elige el "Resaltador de bordes" (o pulsa B), que tiene la aparencia de un marcatextos, y dibuja un borde alrededor del personaje.

Existen 2 técnicas para trabajar con el comando "Extraer" y lograr así los mejores resultados:
a) En bordes confusos, como cabellos, pieles o árboles, usa un Tamaño

de pincel más amplio (aprox. 30 pixels en nuestro ejemplo), y cubre

ampliamente todo el área "dudosa" de los bordes.

b) Para resaltar los bordes más enfocados o con mayor precisión,

utiliza un pincel más
pequeño (aprox. 15 pixels en nuestro ejemplo). Debes asegurarte

de que el contorno del borde incluye totalmente el objeto, haciendo

que el punto inicial y final se junten; (a menos que la imagen

sangre fuera de la página, como en nuestro ejemplo).

5. La otra técnica consiste en dibujar el borde para que 1/3 del

tamaño del pincel se extienda sobre el personaje y 2/3 sobre el fondo.

Intenta no pintar demasiado sobre el objeto, de lo contrario borrarás

parte del personaje.

¡Ojo! El hecho de restaurar el comando Extraer,

pulsando Opc(M)/Alt(W)+clic sobre Restaurar, cancelará

todas las pinceladas que hayas dibujado.

Para corregir los errores y eliminar cualquier pincelada sobrante,

selecciona la herramienta "Borrador" (o pulsa E) del cuadro de

diálogo y arrástralo sobre el área resaltada.

Debes asegurarte de que el contorno del borde incluye

totalmente el objeto, haciendo que el punto inicial y final

se junten; (a menos que la imagen sangre fuera de la página,

como en nuestro ejemplo). ¡Ya tienes definido el borde de tu objeto!

6. Ahora selecciona la herramienta "Relleno" (o pulsa K),

que tiene la aparencia de un bote de pintura, y haz clic

dentro del objeto para rellenar su interior (de azul).

Haz clic en "Preview" para previsualizar el objeto extraído.

Si quieres corregir este relleno, selecciona las opciones

"Mostrar resaltado" y "Mostrar relleno" para visualizar los

límites de extracción del objeto. La imagen volverá a su
estado anterior.

De nuevo pulsa B o E (para resaltar o eliminar) y corrige

el área del borde. Finalmente, vuelve a pulsar K para rellenar

el interior de azul y haz clic en "Ver" para previsualizar el

objeto extraído. Haz clic en OK para aplicar la extracción final.

¡Ya está! Todos los pixels exteriores al objeto se han borrado

y se han convertido en
transparentes.

7. Sin embargo, puedes comprobar que al aplicar la extracción

final, algunas áreas del personaje se han borrado lo hemos

hecho a propósito. ¡Necesitaremos algunos segundos para

corregir estos errores!

Selecciona el Pincel de historia (Y) y pinta sobre las áreas

transparentes Así de sencillo!

Ahora, puedes añadir una capa de fondo a la imagen,

porque las áreas borradas son
transparentes.

Además, al trabajar con el comando "Extraer", el nombre de

la capa original ha cambiado por "Capa 0".

Añade una nueva capa (Capa 1), rellénala con un color y

bájala como capa de fondo.

Ahora puedes realizar lo que desees con la imagen.

Elementos de la Publicidad

2007-10-04T09:20:00.000-07:00

Aquí tienen la guía de elementos que debe tener una Imagen Publicitaria, los cuales utilizarán en el proyecto creativo del bloque 1 para Segundo Grado.

Tips y consejos para filmar y grabar video correctamente

2007-09-29T07:40:00.000-07:00

Estos tips son para tomas de videos educativos, corporativos, etc., no necesariamente útiles si estas haciendo video clips sin embargo rompe las reglas de vez en cuando ya las hayas dominado.

Utiliza el foco manual si tu cámara lo tiene
Ajusta el balance de blancos de acuerdo al tipo de iluminación
Cuando hagas tus tiros en exteriores mantén el sol detrás de ti y utiliza reflectores de relleno en tu toma
Planea tus tiros con anticipación , el video se hace visualizando e imaginando tu escena no aprietes el botón de record hasta que no sepas que vas a hacer
Utiliza tripié o otros dispositivos que te permitan estabilizar tu imagen
Si vas a hacer tomas a manos libres imagina que tu cámara es una taza llena de café
Utiliza el zoom para encuadrar de acuerdo a la importancia de la toma, evita hacer zoom en medio de tus tomas
Mueve tu cámara solo lo necesario
Haz tus tomas pensando en la edición
Empieza la grabación unos segundos antes de la acción, detén la grabación unos segundos después
Mantén una bitácora de tus tomas , marca las tomas buenas y las malas antes de editar
Evita los saltos de imagen "jump cuts" si dejas de grabar varía tu ángulo de toma o la longitud de foco del zoom
Mantén las tomas lo mas cortas posible de 6 a 10 segundos
Marca tus tomas de inserto en tu bitácora te serán muy útiles en la edición
Mantén un promedio de tiempo igual entre todas tus tomas de 6 a 10 segundos
Mantén una panorámica o toma abierta "full shot" sin panear o hacer zoom al menos 10 segundos
Mientras grabes mantente tan frío como te sea posible para capturar el verdadero comportamiento de tus sujetos.

¿Qué es el arte?

2007-09-11T16:32:00.000-07:00

Una presentación que les será de utilidad para la actividad de entrevista del bloque 1 para 3er. grado.

Montaje

2007-09-11T12:11:00.000-07:00

Montaje

Obras bidimensionales
1. Deben ser ordenadas en posición horizontal tomando como referencia el punto medio, la base inferior o superior.
2. Mantener entre cada objeto, como mínimo, una distancia variable de acuerdo con el formato de la obra y, por supuesto, el tema tratado.

3. La colocación de los objetos deben respetar el centro visual, este factor es determinado por la persona cuya estatura media aproximadamente es de un metro sesenta (1.60) centímetros. La relación angular es de unos 40º más o menos

4. El rótulo o ficha técnica del objeto debe ser colocada en la parte inferior (generalmente a la derecha, aunque del diseño determinado) de la base en caso de mediano y pequeño formato. En los grandes formatos colocarlo a un metro de altura.
5. El color del rótulo debe ser distinto al utilizado en la pared.

Obras tridimensionales

Al organizar una exposición de obras tridimensionales verificar si todas las piezas necesitan bases o soportes para sostenerla.
Las bases o soportes deben ser, preferiblemente, de madera pintada o plexiglass, si son el exterior considerar materiales como cemento, hierro y otro. Estos materiales son los más indicados para obras de pequeño y mediano formato.
Es recomendable mantener una buena distancia entre los soportes para facilitar su aislamiento, lo cual posibilita la circulación del público alrededor de ellas. Esto logra que el objeto sea apreciado por el público, con relación al contexto y al agrupamiento en que éste se encuentra.
El formato de los soportes debe ser acorde a las dimensiones de la pieza.
Tomar en cuenta los colores de paredes y elementos de fondo. En general, la iluminación debe ser unidireccional de manera tal que conforme claros y oscuros. Una obra tridimensional debe tener un mínimo de espacio para que no pierda su valor estético propio. Así el espectador no perderá detalles de la pieza que se exhibe.

Otras recomendaciones
1 .Los detalles finales deben estar bien acabados.
2. Estar pendiente de todos los trámites de seguro y embalaje.
3. Las instrucciones del montaje deben ser lo más sencillo posible.
4. Facilite lugares de descanso.
5. La promoción de la exposición es imprescindible. No olvide tener contacto con la prensa, radio y TV.
6. No olvide invitar a los críticos, especialistas, conocedores y profesionales y afines.
7. Dejar el lugar de la exposición totalmente limpio.
8. Limpiar los vidrios de la vitrina (si las tiene) y las obras en sí.
9. Fotografiar los objetos y las instalaciones.
10. Tener en orden y a mano todas las herramientas que van a ser utilizadas para el montaje (martillo, clavos, taladro, sierra, etc.).
11. No olvidar incluir los derechos de autor de las ilustraciones, fotografías, dibujo y música.
12. Analizar la correspondencia del guión museológico y guión museográfico para así evaluar la misión y objetivos del discurso establecido en la exposición.

Créditos:

http://museosdevenezuela.org